Le centième anniversaire de Pierre Soulages offre l’occasion au Centre Pompidou de mettre en lumière la relation exceptionnelle qu’il a tissée depuis les années 1960 avec cette figure majeure de la seconde moitié du XXe siècle et du début du XXIe siècle. A travers quatorze œuvres réalisées de 1948 à 2002, l’exposition « Soulages et le musée national d’art moderne » retrace le parcours de cet artiste solitaire et libre qui a profondément renouvelé le langage de l’abstraction.

Alors que Pierre Soulages a fêté fin 2019 ses cent ans et que le musée du Louvre lui consacre pour l’occasion une exposition exceptionnelle, le Centre Pompidou revient sur les liens qui l’unissent au grand peintre français. À travers quatorze œuvres réalisées de 1948 à 2002, parmi lesquelles des peintures mais aussi deux brous de noix, une encre sur papier, une eau-forte et une lithographie, des photographies et des documents manuscrits et imprimés, l’exposition « Soulages et le musée national d’art moderne » montre comment, en réinventant le langage de l’abstraction, Pierre Soulages est devenu une figure majeure de la seconde moitié du XXe siècle et du début du XXIe siècle.

L’imposante production picturale de Pierre Soulages, qui peint encore aujourd’hui à un rythme soutenu représente plus de mille six cents toiles, auxquelles s’ajoutent des créations dans d’autres médiums, moins nombreuses mais très variées : des peintures sur papier, des gravures, des sérigraphies et des lithographies ; des sculptures en bronze, des goudrons sur verre et des vitraux. Le noir, couleur que Pierre Soulages a choisie très jeune, marque son identité artistique. Il se décline selon les outils utilisés en surfaces lisses ou en relief, révélant la lumière de façon inattendue et multiple.

N’hésitez pas à profiter de cette exposition jusqu’au 11 Mars 2020 au Centre Pompidou.

Personnalité hors-norme, première femme d’affaires du XX^esiècle, self-made-woman affranchie et visionnaire… Si les superlatifs fusent pour décrire l’ascension vertigineuse d’Helena Rubinstein (1870-1965), l’Impératrice de la beauté selon Cocteau, on en oublie parfois son parcours de collectionneuse aguerrie et son rôle pionnier dans la reconnaissance des arts africains et océaniens en Europe et outre-Atlantique. Construite essentiellement à Paris, au gré de ses rencontres, « la collection de Madame », aujourd’hui dispersée, rassemblait plus de 400 pièces d’art extra-européen, précieux gardiens de reliquaires kota ou fang, pièces d’exception baoulé, bamana, senoufo ou dogon, qui voisinaient avec les œuvres de peintres et sculpteurs de la modernité, Chagall, Braque ou Picasso, et beaucoup d’autres domaines de collection.

À travers une soixantaine de pièces, l’exposition met à l’honneur sa passion pour les arts extra-occidentaux, principalement l’art africain, et sa fascination pour leur intensité expressive et leur caractère. Des arts qu’elle a découverts dans les années 1910, au contact du sculpteur Jacob Epstein puis de collectionneurs d’avant-garde parisiens, et qu’elle mettra un point d’honneur à mettre en valeur dans ses intérieurs de Paris, New-York et Londres mais aussi, dans un souci d’éducation de sa clientèle féminine, dans ses salons de beauté du monde entier et en participant à de grandes expositions.

N’hésitez pas à profiter de cette exposition jusqu’au 28 Juin 2020 au Musée du Quai Branly.

Le Musée Historique Allemand à Berlin présente du 21 novembre 2019 au 19 avril 2020, la première grande exposition sur Wilhelm (1767-1835) et Alexander von Humboldt (1769-1859). 

Les frères von Humboldt appartiennent à la génération qui avait 20 ans en 1789. Originaires de Berlin, cosmopolites, polyglottes, ils vivent en citoyens du monde à Londres, Rome, Paris et Vienne. Ils côtoient les plus grands esprits de leur temps : Goethe, Mme de Staël, Mme Récamier, Chateaubriand, Arago, Gay-Lussac, Schiller.

L’exposition étudie la relation entre le savoir et le pouvoir, et met en lumière la manière dont la conscience historique, la politique, la science et les affaires modifient la perspective sur l'homme et son environnement. Des questions se posent sur l'actualité et l'évaluation de leurs attitudes et de leurs actions à notre époque. 

Dans une danse qui met en conflit ainsi qu'en communion l'Orient et l'Occident, le grand chorégraphe et interprète Akram Khan explore la tragédie des soldats indiens morts pour l'Empire britannique dans son solo Xenos. Un spectacle monument qui interroge ce que signifie être étranger et, plus largement, humain.

Au cours des vingt dernières années, Akram Khan s’est imposé comme un danseur et chorégraphe incontournable sur la scène britannique et mondiale. Londonien d’origine bangladaise, il mêle la danse contemporaine au kathak, danse traditionnelle originaire du nord de l’Inde. Après avoir chorégraphié près d’une trentaine de pièces – y compris la cérémonie d’ouverture des Jeux olympiques de Londres – il revient avec le solo Xenos, qui marquera la fin de sa carrière d’interprète.

Tout commence avec un danseur de kathak entouré de cinq musiciens. Au rythme de la musique traditionnelle indienne, les pieds de l’homme frappent le sol, faisant tinter à chaque coup les grelots noués à ses chevilles. L’ambiance est joyeuse et chaleureuse. Quand, tout à coup, le danseur se trouve arraché à sa terre et sa culture, violemment interrompu dans la grâce de son mouvement, pour être recraché dans le chaos brutal et bruyant de la guerre. Le sol de la scène se déforme alors, de manière à ce que le personnage se retrouve au pied d’une pente, à ramper dans la terre et la boue, tapi dans une tranchée. Akram Khan incarne ainsi à lui tout seul les quatre millions de soldats colonisés qui ont été enrôlés dans les armées européennes et américaines lors de la Première Guerre Mondiale, plus particulièrement, les 800 000 Indiens qui se sont battus pour l’Empire britannique.

N’hésitez pas à assister à l’une des représentations de Xenos jusqu’au 21 décembre 2019 au Théâtre de la Villette.