Donner la parole aux professionnels du secteur, constituer un espace de dialogue : telles étaient les objectifs initiaux de cette première édition des états généraux des festivals, organisée par le ministère de la Culture les 2 et 3 octobre à Avignon, avec une ambition : réinventer le modèle des festivals. Les objectifs de cet événement inédit sont pleinement atteints, si l’on en juge par les nombreuses – et particulièrement riches – contributions des acteurs culturels et territoriaux qui ont suivi l’événement : selon le bilan du ministère, ils étaient au total 1200 personnes à suivre ces états généraux, dont 400 personnes présentes à Avignon. Par ailleurs, les états généraux ont été décentralisés dans les 21 directions régionales des affaires culturelles (DRAC), et 1044 connexions en ligne ont été enregistrées.

Bien sûr, cet intérêt est le signe d’un besoin immédiat : la crise sanitaire, on le sait, a frappé de plein fouet l’écosystème des festivals, entraînant annulations et reports en cascade. « Aujourd’hui, a souligné la ministre de la Culture lors de son intervention d’ouverture, la situation des festivals demeure marquée par l’incertitude, l’ombre de la pandémie continue de planer. Je sais que cette situation suscite chez vous beaucoup d’inquiétude et de remise en question ».

Pour répondre à ces besoins urgents, le gouvernement s’est d’ores et déjà mobilisé « en créant cet été un fonds festival doté de 10 M€ et confié aux DRAC pour sa mise en œuvre ». « Ce fonds sera prolongé en 2021, il bénéficiera d’une première enveloppe de 5 M€ qui permettra d’apporter un soutien aux organisateurs des festivals les plus touchés par la crise et les accompagner dans la mise en œuvre des événements de 2021 », a assuré la ministre. Autre sujet brûlant : les difficultés d’application de la circulaire du ministère de l’Intérieur concernant l’indemnisation des services d’ordre des manifestations culturelles (dite « circulaire Collomb »). Face à ses difficultés, un moratoire a été arrêté jusqu’au 31 décembre 2020 en attendant de parvenir à une amélioration du dispositif. Il sera « reconduit » si la situation sanitaire l’impose, a précisé la ministre.

Création, territoires, public

La crise sanitaire a également eu un effet indirect en révélant « aux yeux de tous », selon la ministre de la Culture, « l’importance des festivals dans la vie de notre pays ». Pourtant, le travail en profondeur des festivals, dont l’impact est considérable en termes de création artistique, de renouvellement des publics, de rayonnement territorial et de retombées économiques et touristiques, reste souvent peu ou mal connu. Pour cette raison – c’était la seconde ambition de ces états généraux – il faut être en mesure d’envisager les « enjeux d’avenir » des festivals et de « réinterroger leur accompagnement par l’État ».

Un festival, qu’est-ce que c’est précisément ?, s’est demandé Emmanuel Wallon, professeur de sociologie politique à l’université Paris-Ouest-Nanterre, en s’appliquant à dresser un « panorama des festivals », ces organismes aux mille visages. Extension des domaines d’intervention artistique, importance de l’inscription territoriale, rôle des aventures collectives, les festivals sont à la fois, selon lui, « des espace-temps d’intensification de l’expérience esthétique et sociale » mais aussi « des fabriques d’images et de politiques culturelles ». Sans oublier la place déterminante du public : selon l'édition 2020 de l'enquête sur les pratiques culturelles des Français publiée par le département des études, de la prospective et des statistiques du ministère de la Culture, « 19% des Français » déclarent fréquenter un festival chaque année. C’est « un public récidiviste, d’une fidélité inouïe », s’est réjoui Emmanuel Wallon.

Les festivals, s’ils ont une importance économique, ce n’est pas seulement pour des raisons économiques, mais également pour des raisons culturelles, sociales, territoriales, humaines

Réinventer le modèle économique des festivals

Si la crise sanitaire a permis de mettre l’accent sur le rôle « structurant » des festivals dans notre « identité », elle a également soulevé la question de la « fragilité » de leurs modèles économiques. Une fragilité qu’ont soulignée tous les participants de la table-ronde sur l’évolution de ces modèles économiques, en s’inquiétant notamment de « la faiblesse des ressources propres » des festivals. « Cela pose la question du financement de leur développement », a estimé Véronique Gomez, responsable du secteur culturel au Crédit Coopératif, qui accompagne de nombreux festivals. Une opinion partagée par Odile Pradem-Faure, directrice du festival de Saintes, pour qui « l’augmentation des charges a pour conséquence une baisse de la part de budget dédiée à l’artistique », et par Jean-Paul Roland, directeur des Eurockéennes de Belfort, qui relève que la pérennité des actions de service public que mène le festival « en faveur de la solidarité, l’accessibilité, du développement durable ou de la culture pour tous » est remise en question.

Anne Mistler, adjointe au maire de Strasbourg, insiste quant à elle sur la créativité des territoires, en soulignant les « interactions » entre festivals et structures culturelles. « Le festival de musique contemporaine Musica, qui vient de se tenir, diversifie notamment son offre dans les musées de Strasbourg », a-t-elle précisé.

Autofinancé à 97%, le festival de danse contemporaine de la coopérative Illusion & Macadam, qui suit notamment les chorégraphes Mathilde Monnier et Xavier Le Roy, est pourtant aujourd’hui, selon l’expression de Vincent Cavaroc, son codirecteur, « un colosse aux pieds d’argile ». « Nous essayons de mener un projet culturel exigeant avec un modèle économique, l’autofinancement, qui s’avère extrêmement fragile », dit-il. Pour Paul Rondin, directeur délégué du festival d’Avignon, quelle que soit la nature du festival – grand ou petit, subventionné, autofinancé ou issu d'un financement privé –, il est avant tout « une petite entreprise ». « Comme telle, souligne-t-il, il est important de la relancer, de remettre en route la machine. Nos artistes, nos techniciens, ont besoin de retrouver leur activité ».

Face à cette hétérogénéité des « modèles festivaliers », Emmanuel Négrier, directeur de recherches au CNRS et modérateur de la table-ronde, insiste sur un paradoxe : selon lui, « les festivals, s’ils ont une importance économique, ce n’est pas seulement pour des raisons économiques ». « Dans le cadre de l’enquête sur les festivals que nous avons lancée en 2019 avec France Festivals, explique-t-il, nous nous sommes rendus compte que les festivals n’étaient plus cette économie frivole parce que temporaire, et que l’addition de petits événements faisait couler de grandes rivières, dont la portée est non seulement culturelle, mais aussi sociale, territoriale, humaine ».

Des pistes pour demain

Comment dès lors trouver des « pistes d’évolution durables », propres à renforcer les modèles économiques des festivals ? Première possibilité : en misant sur les nouvelles formes juridiques. « Les Chorégies d’Orange, en passant du statut associatif à une société publique locale (SPL), ont pu pérenniser leur activité et leurs emplois grâce à un apport important de la région, qui a été rendu possible par son nouveau statut », observe Véronique Gomez, qui insiste également sur les potentialités ouvertes par la loi sur l’économie sociale et solidaire.

Cette dernière voie a été suivie par la coopérative Illusion & Macadam. « Il y a quelques années, raconte Vincent Cavaroc, nous avons opéré une transition juridique, en gardant l’association-mère et en montant une société coopérative d’intérêt collectif (SCIC) qui fait office de tête de holding. Notre maillage présente de nombreux avantages, notamment en nous permettant d’accéder à des crédits liés à l’économie sociale et solidaire ».

Toutefois, « les nouvelles structures ont parfois du mal à être reconnues », fait remarquer Jean-Paul Roland, en citant l’exemple du festival GéNéRiQ, une association créée par les Eurockéennes en mars dernier. « Avec ce festival, qui se passe dans cinq villes, nous nous sommes donnés un objectif : rapprocher le public des artistes tout en faisant redécouvrir le patrimoine de la ville, par exemple en faisant des concerts dans des lieux décalés, comme des centres d’art ». Du fait de son statut juridique, ce festival n’a pas pu bénéficier d’aides publiques en dépit de ses missions.    

Autre possibilité d’évolution : la diversification des festivals vers des contenus audiovisuels. « Pendant le confinement, observe Jean-Paul Roland, on a vu fleurir un grand nombre de propositions en streaming, toutes choses que nous étions, aux Eurockéennes, à même de proposer au public. Ce qui manque aux festivals, c’est la possibilité de pouvoir produire des contenus audiovisuels ». Même tonalité chez Paul Rondin : « On a là, avec les contenus audiovisuels de nos spectacles, un gisement extraordinaire. Au festival d’Avignon, nous avons choisi de mettre en place une filiale pour valoriser les contenus audiovisuels du festival et en inventer d’autres. Pour nous, c’est une façon de conquérir de nouveaux marchés. De plus, c’est aussi un moyen de toucher des publics empêchés, qui ne peuvent pas se déplacer, comme ceux des hôpitaux, de participer à un effort de démocratie culturelle ». Les contenus audiovisuels, voie de sortie « vertueuse » pour de très nombreux festivals, aujourd’hui dans l’impasse de la crise sanitaire ? « En tout cas, conclut Paul Rondin, on dispose d'un moyen important de développer des recettes propres. C’est valorisant pour les œuvres et ça permet aux artistes et ayant-droits de trouver de nouvelles rémunérations ». A suivre.

Ministère de la culture

Créé en 2000 pour mettre en lumière le foisonnement créatif de la scène artistique française, le Prix Marcel Duchamp a pour ambition de distinguer les artistes les plus représentatifs de leur génération et de promouvoir à l’international la diversité des pratiques aujourd’hui à l’œuvre en France.

Ce partenariat fidèle entre l’ADIAF (Association pour la diffusion internationale de l’art français) et le Centre Pompidou s’inscrit résolument dans une volonté de mettre en valeur la scène française auprès du plus grand nombre et, dans le contexte actuel, de réaffirmer notre soutien à ces artistes. La crise sanitaire que nous vivons ne saurait réduire la création au silence.

L’année 2020 marque également le 20e anniversaire du Prix Marcel Duchamp. 20 ans, 20 éditions, plus de 80 artistes nommés, une cinquantaine d’expositions organisées par l’ADIAF à travers le monde... Le Centre Pompidou proposera une sélection d’œuvres des lauréats au sein d’un parcours dédié au Musée national d’art moderne, niveau 4 à partir du 21 octobre 2020.

LES ARTISTES

Alice Anderson
Née en 1972 à Alfortville (France) - Vit et travaille à Londres
Représentée par la galerie Valérie Bach -  La Patinoire Royale, Bruxelles
Les œuvres présentées au Centre Pompidou ont été créées lors de danses-performances, au cœur de l’œuvre d’Alice Anderson, au cours desquelles l’artiste peint avec de la couleur ou tisse avec du fil de cuivre, symbole de la connectivité́ numérique. Ces danses-performances, tantôt fulgurantes, tantôt méditatives, lui font atteindre un niveau de conscience presque oublié. En activant par des gestes précis certains objets technologiques, Alice Anderson les « mémorise » et les sacralise. Dans ces « danses géométriques », elle établit une communication profonde avec la toile.

Hicham Berrada
Né en 1986 à Casablanca (Maroc), vit et travaille à Paris et à Roubaix (France)
Représenté par la galerie kamel Mennour, Paris/Londres
Hicham Berrada s’inspire de protocoles scientifiques pour explorer des phénomènes comme le chaud, le froid, le magnétisme, la lumière. En 2007, il commence sa série « Présages », réalisée à partir de produits chimiques plongés dans des béchers ou des aquariums, dont il retranscrit les réactions à travers une variété de médiums – images en mouvement, sculptures, photographies. En 2017, lors d’une exposition au Fresnoy, Hicham Berrada projette un « Présage » sur une paroi semi-circulaire. C’est ce dispositif immersif qu’il reprend dans son projet pour le prix Marcel Duchamp. L’univers en développement résultant de l’expérience chimique est donné à vivre comme si le public se tenait au cœur du laboratoire.

Kapwani Kiwanga
Née en 1978 à Hamilton (Canada) - Vit et travaille à Paris
Représentée par les galeries Poggi, Paris ; Goodman Gallery, Johannesbourg, Le Cap et Londres ; galerie Tanja Wagner, Berlin
Kapwani Kiwanga utilise des méthodes issues des sciences sociales pour déconstruire les récits qui nourrissent la vision de la sphère géopolitique contemporaine. Le projet « Flowers for Africa », présenté pour prix Marcel Duchamp 2020, initié en 2013 lors d’une résidence au Sénégal, se poursuit encore aujourd’hui. En effectuant des recherches iconographiques, l’artiste s’est concentrée sur la présence des fleurs lors des événements diplomatiques liés à l’indépendance des pays africains. Disposées sur les tables des négociations, sur les estrades ou bien lors de parades, ces compositions florales deviennent des témoignages de ces moments historiques.

Enrique Ramírez
Né en 1979 à Santiago (Chili), vit et travaille en France
Représenté par les galeries Michel Rein, Paris/Bruxelles ; Die Ecke, Santiago
Enrique Ramírez aborde à travers l’installation, la vidéo et la photographie, des sujets universels liés à son parcours personnel : les voyages, l’immigration, les aléas de l’histoire, la construction de la mémoire… Les vastes paysages qu’explore son œuvre sont conçus comme des espaces géo-poétiques destinés à susciter l’imagination, des territoires ouverts à la déambulation mentale. Le projet présenté par Enrique Ramírez dans le cadre du prix Marcel Duchamp 2020, « Incertains », réaffirme l’idée de l’art comme questionnement du monde. Il invite à imaginer le regard comme doté du pouvoir de franchir les obstacles et pénétrer les profondeurs de l’histoire.

Les amateurs de mobilier ancien filent direction le Musée Nissim-de-Camondo, situé dans le 8e arrondissement de Paris, pour redécouvrir l'incroyable collection de cet hôtel particulier dès le 17 juin 2020, après deux mois de fermeture dus à l'épidémie de coronavirus. On ne manque pas de profiter du bon plan de la réouverture gratuite pour découvrir ses trésors et son exposition éphémère jusqu'au 21 juin.

Un musée appartenant au MAD Paris - Musée des Arts Décoratifs, légué en 1924 par Nissim-de-Camondo, et qui vous invite à découvrir une incroyable collection de meubles datant du XVIIIe siècle.

Un musée qui rouvre enfin ses portes avec, sans l'ombre d'un doute, toutes les mesures sanitaires de rigueur : port du masque obligatoire, mise à disposition de gel hydro-alcoolique, distanciation physique... Tout devrait être fait pour assurer votre sécurité au sein de l'établissement, dans l'attente de précisions du MAD Paris. À noter que pour sa réouverture, le musée Nissim-de-Camondo est gratuit pour tous pendant une semaine. Une bonne raison pour sortir et découvrir ce haut lieu de la culture, ainsi que cette bâtisse figée dans le temps, au XVIIIe siècle. Et concernant l'exposition qui se tenait avant le confinement, Le 61 rue de Monceau, l'autre hôtel Camondo, sachez que celle-ci est prolongée jusqu'au 15 septembre 2020.

Pour la petite histoire, lorsqu’il s’installe à Paris en 1869, Nissim-de-Camondo achète un hôtel particulier au 63, rue de Monceau tandis qu’Abraham-Behor, son frère fait construire le sien sur la parcelle voisine. Sans aucune rivalité, les deux frères reçoivent tout le gratin de Paris avec faste. Dans son hôtel particulier, Nassim-de-Camodo réunit une collection de peinture et objets d'art unique. Une très belle collection à découvrir, pour tous les amateurs d'histoire et de beaux meubles.

À découvrir dès le 17 juin 2020 à Paris. 

C’est par une œuvre monumentale de 386m² que l’artiste bordelais Jean-François Duplantier alias Jofo a voulu rendre hommage aux personnels soignants en pleine épidémie de coronavirus. Elle a été déployée vendredi 17 avril sur la façade de la place de la Bourse à Bordeaux.

On y voit le personnage fétiche de l’artiste masqué, un « Toto », entouré de très nombreux « Merci ». Ce projet a vu le jour grâce à la CCI Bordeaux Gironde avec le soutien de la DRAC Nouvelle-Aquitaine, de la société LightAir et de l’opérateur téléphonique « Prixtel ». Ce dernier a notamment financé la fabrication de la toile. D’ailleurs, « cette œuvre remplace les publicités qui participent au financement de la restauration du toit du Palais de la Bourse », précise le président de la CCI Patrick Seguin.

L’installation de cette toile a été suivie d’une vente en ligne de 1.000 tirages de l’œuvre d’art « merci » et d’une autre « s’en sortir sans ». Les fonds récoltés seront intégralement reversés aux professionnels de santé du CHU de Bordeaux. L’artiste met aussi depuis le début du confinement de nombreux dessins à colorier pour les enfants sur les réseaux sociaux.

L’exposition « Ulla von Brandenburg » au Palais de Tokyo dévoile des sculptures, installations, films et performances spécialement réalisés pour l’occasion par l’artiste allemande. Celle-ci a conçu un projet total et évolutif représentatif de son travail qui emprunte à la fois au monde du théâtre, à l’histoire des arts et de l’architecture, à la littérature, à la psychanalyse, à l’ésotérisme et aux traditions populaires pour analyser la construction de nos structures sociales.

Les tissus, supports récurrents dans la pratique d’Ulla von Brandenburg jouent encore un rôle déterminant dans cette exposition où le public est invité à pénétrer dans les œuvres en franchissant leurs seuils matérialisés par de larges pans de tissus. La vaste installation qui accueille le visiteur évoque des dispositifs photographiques à travers des rideaux peints dont le centre est percé d’un grand cercle. D’entrée, il faut ainsi traverser un quatrième mur pour atteindre l’exposition. Cette immersion dans le tissu et la couleur souligne sa capacité à évoquer un univers, qu’il soit factice ou réel.

Puis une très grande installation textile poursuit l’exploration chère à Ulla von Brandenburg du rapport à l’image, de la construction d’un cadre de représentation et de l’engagement du corps. Des tissus colorés tirés d’anciennes œuvres de l’artiste forment cinq environnements différents, doté chacun d’une fonction ou d’une temporalité comme l’habitat, l’action, la nuit et le rituel. Pendant toute la durée de l’exposition, cinq danseurs investiront chaque samedi ces espaces pour les construire et les déconstruire en manipulant des œuvres-accessoires qui y sont présentées.

Le film présenté au centre de l’exposition a été réalisé au Théâtre du Peuple de Bussang dans les Vosges, un théâtre populaire et humaniste dont Ulla von Brandenburg fait le cadre d’une sorte d’ethnologie fantasmagorique par laquelle elle actualise les notions du populaire et de la communauté. La dernière partie de l’exposition, une installation labyrinthique dans laquelle des pans de tissus bleus se font les écrans de projections de films tournés sous l’eau, adopte une dimension plus onirique et évoque à la fois une disparition de l’humain et une plongée dans son inconscient.

À découvrir jusqu’au 17 mai 2020 au Palais de Tokyo à Paris.

Le Domaine de Kerguéhennec, à Bignan, accueille au cours du printemps trois expositions monographiques que relient des notions communes : le temps, la mémoire, le paysage, le territoire, les frontières et les migrations, réelles ou mentales. La série de photographies d’Anne-Lise Broyer, l’installation mêlant dessin et couture de Cathryn Boch et les images du réel réinventées par Thomas Daveluy à l’aide des technologies numériques relèvent toutes d’une expérience de la géographie et des histoires qui y sont profondément inscrites.

Un ensemble d’image intitulé Oraison (La mort de la phalène), réalisé en résidence au Domaine de Kerguéhennec par Anne-Lise Broyer rend compte de son expérience sensible du paysage. C’est en s’immergeant dans le territoire alentours, en partant à travers les chemins, forêts et vallons qu’Anne-Lise Broyer s’est investie dans un contact intime avec le lieu, en tirant des photographies qu’elle a ensuite retouchées par des dessins à la mine graphite sur les tirages, réanimant par ce geste des récits et une mémoire qui y étaient enfouis.

C’est aussi au terme de sa résidence de création au Domaine de Kerguéhennec que Cathryn Boch présente un ensemble d’œuvres réalisées in situ. A partir de diverses formes de transcription d’espaces, des cartes routières, géologiques, topographiques et maritimes, des plans de ville, des atlas et des photographies aériennes qu’elle découpe, raccommode, traverse de fils à la machine à coudre, greffe. Ainsi émerge, selon ses mots, « une sorte de paysage-corps » qui exprime la profondeur et la complexité des relations qui se nouent entre les corps et leur environnement, entre nos vies et les mondes qu’elles habitent.

Le cycle d’œuvres intitulé Echo de Thomas Daveluy est consacré aux zones floues qui séparent parfois le réel et l’imaginaire depuis l’avènement des nouvelles technologies. L’artiste, qui a recours aux outils numériques dans le cadre la vidéo, de l’installation, du mapping et même de la sculpture, s’intéresse à la façon dont ces outils, en réinventant l’image, ont aussi réinventé notre rapport au réel. Par le biais du prélèvement de séquences vidéo compressées en une seule image, de retouches numériques, de division de l’écran et autres procédés techniques, Thomas Daveluy explore les nouveaux territoires ouverts par la technologie.

À découvrir jusqu’au 24 mai 2020 au Domaine de Kerguéhennec, à Bignan.

L’exposition « Le Grand mur », présentée au Palais de Tokyo dans le cadre de la première partie de la saison « Fragmenter le monde », a été conçue par Kevin Rouillard au Mexique, au cours d’un séjour qui lui a permis d’explorer à la fois l’imaginaire sculptural de l’époque précolombienne et la réalité politique actuelle d’un pays qui partage une frontière avec les États-Unis.

La pratique de Kevin Rouillard, essentiellement sculpturale, repose sur un processus de prélèvement et de récupération. Ainsi les bidons, utilisés par les expatriés pour envoyer par cargo des produits au Cap-Vert, constituent-ils sa principale matière première. Une fois arrivés à destination et vidés de leur contenu, ces bidons alimentent une chaîne de recyclage et sont transformés en une multitude d’objets : poêles, balayettes, portes et autres éléments architecturaux.

A la manière des artisans recycleurs du Cap Vert, Kevin Rouillard, dont la mère est originaire de ce pays, brûle et déplie les bidons puis découpe, aplatit, martèle, poinçonne et assemble les plaques de tôle en grands ensembles de panneaux métalliques monochromes. La nature première des bidons ne s’efface pas dans ce processus de transformation : les œuvres ainsi créées évoquent pour Kevin Rouillard le monde ouvrier et la façon dont circulent les biens à travers le monde. Le dernier projet de Kevin Rouillard, intitulé Le Grand mur, évoque quant à lui l’hermétique frontière qui empêche la circulation des individus entre le Mexique et les États-Unis.