Scorsese, Friedkin, Kubrick, Spielberg... tous ne jurent que par lui. Dans leur panthéon personnel, Citizen Kane arrive tout en haut. Eux et tous les cinéphiles. Tête de gondole des divers classements du meilleur film de l’histoire du septième art, le film d’Orson Welles joue régulièrement des coudes avec Sueurs froides d’Hitchcock, La règle du jeu de Renoir ou Le parrain de Coppola. Il fait figure de totem indéboulonnable. Mais "What’s so good about Citizen Kane ?", comme le titrait le site de la BBC qui jouait alors les professeurs pour ses lecteurs. "Qu’est qu’il y a de si génial dans Citizen Kane ?" Voici nos réponses.

Récit à plusieurs voix

Ça commence par une main qui laisse rouler sur le sol un petit objet insignifiant tandis que résonne une voix agonisante : "Rosebud . "ROSEBUD ?" (bouton de rose en v.f) Ce sera le mot de la fin de Charles Foster Kane (incarné par Orson Welles himself), milliardaire omnipotent, vivant reclus dans une forteresse qu’il s’est lui-même bâti. La mort de ce magnat de la presse, passé à deux doigts de la présidence des Etats-Unis, fait grand bruit dans le monde entier. Un reporter (William Alland) est engagé pour percer le mystère qui entoure la signification de ce "Rosebud". Il va alors rencontrer une à une les personnes qui ont côtoyé de près le grand homme. Mais si tout le monde a son avis sur la question, personne ne sait vraiment ce qu’a cherché à dire Kane en passant de vie à trépas. Citizen Kane est un film kaléidoscopique qui multiplie les (fausses) pistes. Présent et passé dansent ensemble dans une sorte de ballet qui donne le tournis. En 1940, date de la réalisation du film, la structure complexe du scénario détonne. Orson Welles et son coscénariste Herman J. Mankiewicz aka Mank, semblent ici épuiser toutes les possibilités narratives du cinéma.

LA PRESSE AMÉRICAINE CÉLÈBRE DÉJÀ MANK

La multiplicité des points de vue

La grande idée d’Orson Welles et de son scénariste est donc d’interroger la notion même de vérité à travers les différents récits qui racontent la vie du citoyen Kane. Les premières informations qui nous sont données sur la vie de Kane prennent la forme d’une fausse bande d’actualité de quelques minutes. Préfigurant Zelig de Woody Allen et surtout Forrest Gump, Welles incruste son personnage dans de vraies archives. Le reporter n’est pas plus avancé. Son enquête va mettre en perspective les choses. Qui a raison ? Qui a tort ? Qui est vraiment Charles Foster Kane ? Ou pour le dire autrement : peut-on résumer la vie d’un homme sans le trahir ? Si aujourd’hui la notion de fake news oblige chacun d’entre nous à se méfier de la validité des informations, Welles et Mank semblent avoir ici anticipé les choses. Pour la première fois au cinéma, ils remettaient en cause la notion même d’image. "Oui, les images comme les mots, peuvent mentir", dit en substance le film. A chacun de se méfier de ce qu’on lui montre et donc de ce qu’on lui cache. Citizen Kane est l’un des premiers films à s’interroger sur la puissance manipulatrice du cinéma.  Beaucoup en déduisent que le cinéma est vraiment devenu adulte à ce moment-là.

AARON SORKIN, FAN DE MANK

La toute-puissance de la caméra

Dans les premiers instants du film, on distingue un grillage sur lequel on peut lire un panneau "No Trepassing" (Ne pas franchir). Une interdiction que la caméra d’Orson Welles va copieusement ignorer. Elle pénètre, en effet, via un travelling avant dans la propriété de Charles Foster Kane. Une manière de dire au spectateur que la caméra sera ici toute-puissante. Pour preuve, c’est elle qui dans les derniers instants du film donnera au spectateur le fin mot de cette histoire. Si personne n’a pu vraiment expliquer "Rosebud", la caméra, elle, finit par s’approcher [ATTENTION SPOILER] de la cheminée où se consume un traineau sans valeur apparente. Sur l’objet on peut lire : "Rosebud". Ce traineau en bois, c’était le dernier vestige de l’insouciante jeunesse de Kane avant que sa mère ne se sépare de lui pour le sauver de la pauvreté et d’un père violent.

La profondeur de champ

En 1940, l’image de cinéma était comme la Terre pour les savants du Moyen-Age, plate. Tout se joue principalement au premier plan, le reste se perdant dans le flou indistinct des profondeurs du cadre. Avec Citizen Kane, Welles change les perspectives et va faire interagir ce qui passe à tous les niveaux de l’image. C'est la fameuse profondeur de champ dont Welles est le premier à avoir utilisé la force expressive. Ainsi, dans l'une des plus belles séquences du film, nous voyons à l'arrière-plan le jeune Charles jouer innocemment dans la neige avec son traîneau tandis que, devant nous, sa mère signe les papiers qui vont sceller son avenir. Ici, tout est net, l'image ne doit rien masquer au spectateur. Pour créer cette perspective, Welles a utilisé des trucages en jouant avec la grosseur de certains objets et utiliser des caches pour truquer l’image. Des procédés artisanaux qui ne se voient pas une fois montés.

SEPT CHOSES À SAVOIR SUR MANK DE DAVID FINCHER

(H)auteur sous plafond

L'autre grande affaire de Welles est l'utilisation des plafonds dans son cadre. Une particularité qui n'a rien d'anecdotique. À l'époque des films réalisés en studio, les plafonds étaient la place réservée aux éclairages. Welles, avec son chef opérateur Gregg Toland, va libérer cet espace invisible et l'utiliser pour mieux emprisonner les personnages. Ainsi, dans Citizen Kane, le héros semble sans cesse à la merci d'une architecture menaçante. Ce qui fera à dire au célèbre critique André Bazin : "La volonté de puissance de Kane nous écrase, mais elle est elle-même écrasée par le décor. Par le truchement de la caméra, nous sommes en quelque sorte capables de percevoir l'échec de Kane du même regard qui nous fait saisir sa puissance." 

Jeune homme

25 ans. C’est l’âge d’Orson Welles au moment des faits. Autant dire un bébé. Welles est pourtant déjà un phénomène qui vient de se rendre célèbre à la radio en adaptant de façon réaliste le roman de science-fiction de son presque homonyme H.G. Wells, La guerre des mondes. Enfant précoce, le futur cinéaste féru de Shakespeare et de Nietzsche est déjà à la tête de sa propre troupe, le Mercury Theatre, dont les membres constitueront l'essentiel du casting de Citizen Kane. Par comparaison Alfred Hitchcock avait 59 ans au moment de Sueurs froides, Jean Renoir, 45 ans pour La règle du jeu et Francis Ford Coppola, 33 ans quand il signa le premier volet du Parrain.  

Article à retrrouver via le lien suivant : https://www.premiere.fr/Cinema/News-Cinema/Pourquoi-Citizen-Kane-est-un-classique-parmi-les-classiques

Peu de secteurs ont autant souffert des conséquences de la pandémie de Covid-19 que la culture et les médias. Or, ceux-ci contribuent grandement à la cohésion de l’Europe et à sa dynamique économique.

Il est donc d’autant plus important que ces secteurs bénéficient des mesures de relance européennes, a souligné Monika Grütters, la déléguée du gouvernement fédéral à la Culture et aux Médias. Elle présidait aujourd’hui dans le cadre de la présidence allemande du Conseil de l’UE une réunion informelle des ministres européens de la culture et de l’audiovisuel ayant pour thème « Préparer l’avenir – Relance du secteur de la culture et des médias au sortir de la pandémie de COVID-19 ». En raison de la pandémie, cette réunion a eu lieu par visioconférence.

Monika Grütters : un signe de solidarité envers les secteurs de la culture et de la création

Les ministres ont vivement salué le renforcement du programme « Europe créative » déjà adopté sur le principe et qui vise à soutenir les secteurs de la culture et de l’audiovisuel. Pour la période 2021-2027, ce programme sera doté d’environ 800 millions d’euros supplémentaires par rapport à la période actuelle, passant ainsi de 1,46 milliard à 2,24 milliards d’euros.

Pour Monika Grütters, cela peut être interprété comme un signe clair de solidarité et d’estime envers les secteurs de la culture et de la création. Ce qui importe désormais, c’est qu’un accord soit trouvé et que le cadre financier pluriannuel (CFP) de l’UE pour la période 2021-2027 entre en vigueur rapidement.

L’égalité entre les femmes et les hommes dans le domaine de la culture

À l’initiative de la présidence allemande du Conseil de l’UE, l’égalité entre les femmes et les hommes dans le domaine de la culture était le deuxième grand sujet de la réunion. C’est la première fois que ce thème est abordé dans cette enceinte.

Pour Monika Grütters, une plus grande égalité entre les femmes et les hommes engendre un gain de créativité et constitue un moyen essentiel de renforcer la diversité culturelle au sein de l’Union européenne. Elle a donc salué expressément le fait que ce thème reste au programme de la présidence portugaise du Conseil de l’UE, qui débutera en janvier 2021.

Préservation d’un système médiatique libre et pluraliste

Concernant le développement d’un système médiatique pluraliste et résilient au niveau de l’Union et de ses États membres à une époque où les offres sont internationales, le Conseil de l’UE présidé par l’Allemagne a adopté des conclusions.

Celles-ci comprennent notamment des propositions de financement durable des médias, de renforcement du pluralisme médiatique en Europe à l’ère de l’économie de plateforme et de lutte contre la prolifération de la désinformation.

Monika Grütters s’est montrée convaincue de la capacité de la Commission et des États membres à tenir compte de ces suggestions et à en assurer le suivi. Cela constituera un pas important au niveau de l’Union pour « garantir un système médiatique pluraliste et libre après la crise et en vue d’éventuelles crises à venir ».

Capitales européennes de la culture

Au cours de la réunion, la question des « capitales européennes de la culture » a également été abordée. C’est un projet phare de la politique culturelle de l’UE. En 2025, Chemnitz sera la prochaine ville allemande à obtenir ce titre. La Fédération a mis à disposition 25 millions d’euros pour soutenir Chemnitz dans ses préparatifs. La seconde capitale européenne de la culture pour l’année 2025 sera nommée sous peu par la Slovénie. Le ministre slovène Vasko Simoniti a fourni des indications sur le calendrier prévu.

En raison de la pandémie, des ajustements sont nécessaires pour les trois prochaines années : Galway (Irlande) et Rijeka (Croatie), actuellement capitales européennes de la culture, peuvent prolonger leur programme jusqu’au printemps 2021. Le passage de relai se fera ultérieurement.

Autres sujets à l’ordre du jour

La réunion a également porté sur d’autres sujets d’actualité, par exemple le traitement des biens de collection issus de contextes coloniaux au regard de l’exemple néerlandais, qui a été évoqué par Ingrid van Engelshoven, la ministre chargée de ce dossier. Pour Monika Grütters, il est important que cette question soit aussi abordée au niveau européen car chaque État membre peut profiter des échanges en la matière.

La ministre française de la Culture Roselyne Bachelot-Narquin a donné des informations concernant les développements récents en matière de droit d’auteur et son homologue italien Dario Franceschini a présenté une initiative de promotion de la lecture mise en place en Italie.

© Gouvernement fédéral

Article à retrouver sur le lien suivant : https://allemagneenfrance.diplo.de/fr-fr/actualites-nouvelles-d-allemagne/02-Europe/-/2422778

Organisée avec le musée des Beaux-Arts de Montréal en collaboration avec le Muséum national d’histoire naturelle de Paris, l’exposition « Les Origines du monde. L’invention de la nature au XIXe siècle » du musée d’Orsay (à découvrir au sortir du confinement) embrasse un long XIXe siècle, qui prend ses racines avant la Révolution et s’achève avec la Première Guerre mondiale.
À la croisée des sciences et des arts, cette grande traversée, riche de près de sept cents œuvres, documents, planches d’herbier et même d’un éléphant d’Asie, la belle Marguerite naturalisée en 1798, montre l’impact des sciences de la vie et de la théorie des origines sur l’imaginaire et les artistes. 

Moïse ou Darwin ?

En novembre 1859, vingt-deuxième année du règne de Victoria, paraissait en Grande-Bretagne On the Origin of Species by Means of Natural Selection, or the Preservation of Favoured Races in the Struggle for Life (L’Origine des espèces au moyen de la sélection naturelle ou la préservation des races favorisées dans la lutte pour la vie), de Charles Darwin (1809-1882). L’auteur y établissait que les plantes comme les animaux, homme compris, dérivaient d’un petit nombre de formes primitives, voire d’une seule. Le scandale fut à la mesure du succès : immense. Avant même d’être traduit, l’ouvrage était passionnément commenté dans le monde entier.

Le scandale venait principalement de la remise en cause du récit biblique de la Genèse. Dieu avait créé l’homme à son image, alors cousiner avec le singe… L’affrontement fit rage jusqu’à la fin du siècle: Moïse ou Darwin ? Face à la polémique, le grand naturaliste, de santé fragile, laissa ses fidèles défendre ses idées. Ses idées ? Toutes ne sortaient pas de son chapeau. D’ailleurs, la publication de On the Origin of Species avait été hâtée par l’éditeur, craignant la concurrence de l’ouvrage que s’apprêtait à publier Alfred Russel Wallace. Sa propre théorie de l’évolution avait illuminé Darwin.

Les anomalies du vivant

Le monde d’avant, c’était ce merveilleux jardin d’Eden où les grands fauves voisinaient placidement avec des mammifères dodus et bien peignés, dans une végétation luxuriante. Bruegel le Jeune et Van Oosten l’ont peint. À partir de la Renaissance, l’Europe princière et savante vit la passion coûteuse des cabinets de curiosité, réunion des merveilles de la nature et des prouesses de l’homme.

Article à retrouver via le lien suivant : https://www.connaissancedesarts.com/musees/musee-orsay/les-origines-du-monde-au-musee-dorsay-une-fabuleuse-traversee-entre-arts-et-sciences-11148581/#

Présentation

Cette visite s’adresse en premier lieu aux professeurs d’histoire et de sciences économiques, mais aussi de lettres, et elle peut être utilisée pour tout groupe souhaitant aborder la place de l’art dans l’histoire et ses liens avec la société. Elle repose sur une confrontation entre les œuvres et l’histoire, qui associe deux démarches distinctes. D’abord celle majoritairement employée par les enseignants et les historiens qui traitent l’œuvre comme un document à l’appui d’une argumentation. Ils cherchent donc quels renseignements ou indications sur la révolution industrielle du XIXe siècle apportent tableaux, sculptures, objets d’art. En regard, la démarche suivie par les historiens de l’art tend à privilégier l’œuvre elle-même. L’artiste n’utilise pas seulement l’anecdote, l’événement, le paysage, pour en rendre compte, comme un illustrateur de manuel scolaire, mais il crée une œuvre d’art, qui s’inscrit dans une recherche personnelle ou collective et dépasse la seule représentation du sujet choisi, elle-même transposée par l’artiste. Cette visite s’attache donc à mettre en relation d’une part les œuvres exposées au musée d’Orsay, représentatives des arts de la seconde moitié du XIXe siècle, de l’autre ce qui constitue un phénomène majeur de la période en histoire : l’industrialisation croissante de la France et des autres pays d’Europe occidentale, et ses liens avec les transformations sociales, politiques et culturelles.

La première révolution industrielle (fin du XVIIIe siècle en Grande-Bretagne, première moitié du XIXe en Europe occidentale) se fonde sur l’exploitation du charbon comme source d’énergie, la métallurgie et le textile comme industries de base. La seconde, qui se déploie entre 1880 et 1914 environ, s’appuie sur l’énergie électrique, le pétrole, le moteur à explosion et la production d’acier (sidérurgie). Ces données économiques ne se transforment pas automatiquement en sujets ou en source d’inspiration pour les artistes ! Même chez les héritiers de l’école réaliste, la représentation du travail industriel reste exceptionnelle : la vie rurale, les travaux des champs conservent une écrasante prédominance parmi les thèmes “sociaux”, quelle que soit la période choisie, ou le courant artistique en cause. Mais une visite sur le “monde industriel” n’a toutefois aucune raison de se limiter à la seule représentation d’ouvriers au travail ou de grandes usines... Le monde industriel intègre les questions du logement ouvrier, du travail à domicile, si important au siècle dernier, des grandes voies de communication nécessaires aux échanges, caractéristique primordiale de la révolution industrielle, des travailleurs, mais aussi des capitaines d’industrie, des banquiers et des “capitalistes”... L’élargissement des sujets possibles, nécessaire de toute façon pour l’équilibre et la cohérence de la visite, se justifie aussi en bonne méthode historique.

Préparation et prolongement de la visite

Cette visite assez complexe suppose que les élèves aient déjà travaillé à la fois sur la période historique concernée et sur les grands courants artistiques représentés. Les possibilités de prolongements concernent d’autres rapprochements entre œuvres d’art et thèmes historiques. Le musée d’Orsay propose des visites analogues sur le monde rural, le pouvoir politique, l’image des femmes ou des enfants. On peut également traiter le sujet avec d’autres périodes, au musée national d’Art moderne (Beaubourg) ou au musée d’Art moderne de la ville de Paris (avenue du Président-Wilson) pour le XXe siècle, mais aussi associer un parcours “artistique” à une visite d’un musée “industriel”, à Paris le musée national des Arts-et-métiers, dans le bassin minier du Nord-Pas-de-Calais le centre historique minier de Lewarde, près de Douai, le musée d’art et d’industrie de Roubaix, le musée d’art et d’industrie de Saint-Étienne, au Creusot l’écomusée, à Lyon la Maison des Canuts, etc. De nombreuses entreprises industrielles, en activité ou non, dont les origines remontent souvent au XIXe siècle, sont ouvertes aux visites de groupes scolaires comme La Découverte à Decazeville, la Verrerie ouvrière à Albi, la chocolaterie Menier à Noisiel. Il peut s’agir de bâtiments aux fonctions diverses, mais qui témoignent de techniques de fabrication ou d’activités contemporaines des œuvres du musée d’Orsay comme la tour Eiffel à Paris, le Val d’enfer à Thiers… Une confrontation avec la littérature pourrait utiliser César Birotteau (1835) ou La Maison Nucingen (1838) de Balzac, pour les mécanismes de l’argent et du développement capitaliste, La Ville noire (1861) de George Sand, Les Misérables (1862) de Victor Hugo, Germinal (1885) ou La Bête humaine (1890) de Zola, qui mettent en scène une société et des paysages transformés par l’industrie, voire Les Temps difficiles (1854) de Dickens, Jungle (1906) d’Upton Sinclair, Un ennemi du peuple (1882) d’Ibsen, pour les problèmes écologiques liés à l’industrialisation. Au cinéma, outre la vision pessimiste et fantastique de Métropolis (Fritz Lang, 1926), et diverses adaptations littéraires de “classiques” du XIXe siècle (par René Clément, Jean Renoir, Claude Berri, etc.), l’épopée industrielle est retracée par Anton Wajda dans La Terre de la grande promesse (1974) et par Mauro Bolignini dans Metello (1968) : il s’agit d’ailleurs là encore de deux adaptations littéraires. Les Temps modernes (1935) de Chaplin évoquent la déshumanisation du travail par les systèmes Taylor et autres, appliqués dès le début du siècle en Amérique, mais encore très rarement utilisés en France avant 1914, et sans écho direct dans la production artistique de la période.

1. Octave Tassaërt (1800-1874) : Une famille malheureuse, 1849

Il existe plusieurs variantes de ce tableau (deux sont visibles aux musées de Bayonne et de Montpellier) qui est aussi intitulé Le Suicide ou Une jeune fille avec sa mère s’asphyxiant. L’artiste était lui-même dans une situation difficile lorsqu’il peignit Une famille malheureuse en 1849. La crise économique et la révolution de 1848 avaient entraîné une crise profonde du marché de l’art. Acheté 2000 francs par l’État (l’équivalent du salaire annuel d’un fonctionnaire de rang modeste), grâce au directeur des Beaux-Arts, ce tableau fut exposé au Salon de 1850. Le sujet était inspiré d’un passage des Paroles d’un croyant de Lamennais (1840), livre fondateur du christianisme social, qui avait connu un grand succès public : “La neige couvrait les toits ; un vent glacial fouettait la vitre de cette étroite et froide demeure ; - une vieille femme réchauffait à un brasier ses mains pâles et tremblantes... - La jeune fille lui dit : Ô ma mère ! Vous n’avez pas toujours été dans le dénuement ! - Et la vieille dame regardait l’image de la Vierge. Et la jeune fille sanglotait. - À quelque temps de là, on vit deux femmes, lumineuses comme deux âmes, qui s’élançaient vers le ciel !” L’ancienne aisance de la famille est suggérée par quelques détails comme le fauteuil dans lequel gît la mère. L’homme, mari et père, est absent, vraisemblablement mort. La misère et la ruine sont alors inéluctables, réalité quotidienne vécue par les milieux populaires, décrite dans de nombreux romans (cf. L’Assommoir de Zola) ou suggérée dans bien des tableaux réalistes (L’Éclair d’Antigna, Ce qu’on appelle le vagabondage de Stevens…). Les deux femmes se sont donc retrouvées dans cette mansarde sous les toits, dernière étape de leur déchéance sociale. La suite est suggérée : “l’ouvrage manque, l’hiver est froid et la faim arrive avec son agonie hideuse et lente” écrit Théophile Gautier dans son compte rendu du Salon de 1850-1851. Tassaërt affectionna les sujets tristes et sentimentaux et devait lui-même se suicider au gaz.

2. Camille Pissarro (1830-1903) : Dieppe, bassin Duquesne, marée basse, soleil, matin, 1902

Deux bassins d’une tonalité bleu sombre sont séparés par un pont sur lequel passent des voitures. Au premier plan sont visibles une charrette ainsi qu’une cabane entourée d’une barrière en bois et quelques personnages. À l’arrière-plan, vers la droite, les installations du port avec des cheminées qui fument et, à gauche, une agglomération de maisons. La Normandie est souvent représentée par les impressionnistes. Monet s’intéresse aux falaises de la côte, Pissarro est attiré par les ports du Havre et de Dieppe. Il séjourne à Dieppe pendant les étés 1900, 1901 et 1902. Son intérêt est d’abord d’ordre esthétique (“mes motifs sont très beaux, la poissonnerie, l’avant-port, le port Duquesne, le Pollet, par la pluie, le soleil, les fumées”, écrit-il dans une lettre) et, en fin de compte, le caractère industriel de l’activité portuaire de Dieppe n’est pas sa préoccupation principale, même si, par ailleurs, l’artiste est un sympathisant actif de la cause libertaire. Une plongée, angle de vue moderne, rend sensibles l’animation et l’activité du port.

3. Pierre-Auguste Renoir (1841- 1919) : Chalands sur la Seine, 1869

Renoir peignit ce tableau à 28 ans, lorsqu’il était déjà sorti de l’anonymat, mais qu’il n’avait pas encore reçu la grande consécration officielle. La Seine est son véritable sujet. “Fleuve national”, elle a acquis au XVIIIe le statut d’élément essentiel du paysage contemporain français (cf. Fernand Braudel, L’Identité de la France), alors que l’Allemagne est le pays des forêts, la Hollande celui des routes et des moulins, du ciel nuageux et des marines, et l’Angleterre vouée aux prairies et aux grands arbres. Les impressionnistes représentèrent avec prédilection les paysages humanisés, champs, cultures, rivières et coteaux modérés, tels que pouvait les découvrir dans sa marche un promeneur. Le paysage impressionniste s’intéresse aux liaisons et aux voies de communication (routes, canaux, voire chemin de fer chez Monet) qui donnent l’image d’une France dynamique, marquée par l’essor commercial et industriel du second Empire. Les chalands manifestent la force de la révolution industrielle et lui donnent une image plus paisible que ne le feraient des hauts fourneaux sidérurgiques ou des locomotives à vapeur. Ils correspondent à une réalité, aujourd’hui oubliée avec le déclin des voies d’eaux comme moyen de transport, qui connut son apogée avec le plan Freycinet (1878).

4. Ferdinand Dutert (1845-1906) et Victor Contamin (1840-1893) : Palais des machines, Exposition universelle de 1889, maquette au 1/200e par Rémi Munier réalisée en 1989

La galerie des machines fut construite pour l’Exposition universelle de 1889 sur le Champ-deMars. Longue de quatre cent vingt mètres, large de cent quinze mètres et haute de quarante cinq mètres, elle offrait huit cent mille mètres carrés de surface d’exposition, détenait le record mondial de la portée de voûte et devait “éveiller une indicible impression de grandeur et de puissance” pour un coût de construction cinq fois moindre qu’un bâtiment en maçonnerie. Une galerie circulaire, avec deux ponts roulants mus par l’électricité, permettait au public de contempler les machines situées au rez-de-chaussée. L’architecte, Ferdinand Dutert, avait étroitement collaboré avec l’ingénieur principal, Victor Contamin, spécialiste de la résistance des matériaux. L’élégance de cette architecture de fer suscita moins de polémiques que la construction la même année de la tour Eiffel. La galerie servit encore pour l’Exposition universelle de 1900, mais n’en fut pas moins détruite en 1909.

5. Claude Monet (1840-1926) : Le pont du chemin de fer à Argenteuil, vers 1873-1874

Deux éléments fondamentaux de l’industrialisation de la France apparaissent ici : le pont et le chemin de fer. Ils dominent le reste du paysage comme le regard du spectateur. Le train ne semble pas avancer très vite si on en juge par le sens de la fumée contraire au sens de marche de la locomotive. La représentation du chemin de fer est ancienne chez Monet : encore l’aborde-t-il prudemment, privilégiant les wagons pittoresques aux formes traditionnelles, au détriment de la locomotive, plus moderne, évoquée par la fumée de sa cheminée (Un train dans la campagne) : c’est également le cas dans cette toile, alors que le pont occupe tout l’espace. Le tableau est tout entier consacré au thème du passage : le courant de la rivière, la voie ferrée, le pont, le train luimême représentent le mouvement, qui se déploie dans l’espace, mais aussi le temps qui s’écoule et le changement d’époques.

6. Edgar Degas (1834-1917) : Les repasseuses, 1878-1879

7. Claude Monet (1840-1926) : Les déchargeurs de charbon, 1875

8. Claude Monet (1840-1926) : La gare Saint-Lazare, 1877

9. Fernand Cormon (1845-1924) : La forge, 1893

10. Maximilien Luce (1858-1941) : Les batteurs de pieux, 1902-1903

11. Constantin Meunier (1831-1905) : Au pays noir, 1890

12. Constantin Meunier (1831-1905) : Puddleurs au four, 1893

13. Lionel Walden (1861-1933) : Les docks de Cardiff, 1894

Organisée habituellement en mai puis repoussée le 14 novembre en raison de la crise sanitaire, la 16ème édition de la Nuit des Musées s'adapte finalement au confinement et propose tout de même une programmation en ligne tout aussi riche et intéressante. Parmi les centaines d'expériences virtuelles organisées samedi soir, Vogue a sélectionné les incontournables à tester depuis chez soi. 

Une balade sonore au Grand Palais

L'emblématique Grand Palais ouvre ses portes virtuellement le temps de la Nuit des Musées. Et c'est une expérience sonore totalement inédite qui s'offre aux internautes, invités à glisser un casque sur leurs oreilles pour profiter d'une balade immersive de 5 minutes, où l'on croise à tambour battant les cuivres sculptés de l'artiste congolais Sammy Baloji, le montage de la prochaine exposition Noir & Blanc jusqu'au bouquet final, les répétitions du chorégraphe Boris Charmatz sous la grande Nef, au clair de Lune. L'occasion de parcourir, peut-être pour la dernière fois, les allées du musée parisien qui fermera prochainement ses portes pour 4 ans de rénovation. https://www.grandpalais.fr/fr

Une visite grandeur nature du Château de Chantilly

Le Domaine de Chantilly, étendu sur plus de 7 800 hectares, est un petit bijou du patrimoine français qui abrite notamment le château d'Henri d'Orléans où il collectionnait œuvres d'art et manuscrits rares, aujourd'hui précieusement conservés. Quel plaisir de se promener le long des galeries de peintures et dans les appartements privés du duc et de la duchesse d'Aumale au charme suranné, fraîchement restaurés. Côté jardin, le spectacle est également au rendez-vous avec le sublime parc de 115 hectares et ses différents jardins thématiques : le jardin à la Française Le Nôtre, le jardin anglo-chinois et son hameau, le jardin anglais et son temple romantique. Pour la Nuit des Musées, le Château de Chantilly propose une visite virtuelle de ses murs, animée par Mathieu Deldicque, Conservateur du Patrimoine au Domaine de Chantilly, en partenariat avec Scribe Accroupi. Rendez-vous à 21h sur l’ensemble des réseaux sociaux du Château. 

https://domainedechantilly.com/fr/

Un hommage aux femmes au Louvre

Une nuit dédiée aux femmes. C'est le fil rouge du parcours imaginé par de la journaliste Monique Younès et le président-directeur du Louvre, Jean-Luc Martinez, qui revient sur les portraits de femmes dans l'art exposés dans le musée parisien.

https://www.louvre.fr/

Une plongée au coeur de l'histoire des sneakers à Bordeaux

De chaussures de sports d’élite à objets de mode adoptés par le plus grand nombre, des stars du cinéma et du rap aux maisons de luxe qui ont réussi à les rendre couture, les sneakers font désormais partie du paysage populaire, souvent hissées au rang de culte. Fascinant, cet objet de convoitise s'offre une exposition au Musée des Arts décoratifs de Bordeaux, qui revient sur sa folle histoire, au regard de plus de 600 paires mises en dialogue avec une série bien pensée de films, de documents d’archives, de photographies et de témoignages éclairés. À l'occasion de la Nuit des Musées, le MADD de Bordeaux propose de redécouvir son exposition Playground - Le design des sneakers au regard d'un plan interactif comprenant textes, images et vidéos exclusives.

https://madd-bordeaux.fr/accueil

Une histoire de luxe(s) dans l'oeil de Loïc Prigent

Qu'est-ce que le luxe ? Existe-t-il un luxe ou plusieurs luxes ? C'est autour de cette vaste question que s'articule l'exposition du Musée des Arts décoratifs qui interroge l'histoire et notre rapport au luxe au fil des époques, de l'antiquité à aujourd'hui. Incarnée par plus de 100 pièces précieuses, entre créations couture et objets d'art de haut vol, l'exposition témoigne avant tout de la folie créative des couturiers, bijoutiers et autres créateurs de rêve, à commencer par les marchands merciers que l'on peut considérer comme les premiers directeurs artistiques. Durant la Nuit des Musées, le Musée des Arts décoratifs offre une visite virtuelle de son exposition dans l'oeil du journaliste et documentariste de mode Loïc Prigent.

https://madparis.fr/

Une parenthèse folklorique au Mucem à Marseille

Le Mucem a concocté un très beau programme pour la Nuit des Musées. On commence d'abord par le replay du live de l'ouverture de l'exposition Folklore (à partir de 18h30), avant de conclure la soirée avec le sublime spectacle Traversée signé Georges Daaboul (à 20h30, dans le cadre du programme Wâq du wâq). Rendez-vous  sur les pages Facebook et Youtube du Mucem.

www.mucem.org/

Une virée nocturne au Musée des impressionnismes Giverny

A la nuit tombée, le Musée des impressionnismes Giverny, situé à quelques pas de la célèbre maison de Monet, invite les internautes à une virée crépusculaire éclairée par ses oeuvres consacrées à la nuit présentes dans l' exposition L’Atelier de la nature », le tout commenté par deux influenceurs curieux.

www.mdig.fr/

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Annulation de Fotofever, première foire internationale dédiée à la photographie contemporaine

La foire internationale de photographie contemporaine Fotofever ne se tiendra pas du 13 au 15 novembre 2020 au Carrousel du Louvre comme elle l’avait prévu. Alors que les foires, salons, et les évènements se tenant sous des grandes tentes sont interdits, les professionnels de l’évènementiel — dont les activités étaient paralysées depuis cet été — doivent faire face à une nouvelle épreuve.

Première foire internationale dédiée à la Collection de photographie contemporaine, Fotofever a pour vocation de rendre accessible la photographie contemporaine à tous les publics. Démocratisant la vente de tirages d’art, elle propose des sélections à des prix abordables pour accompagner les artistes émergents et les collectionneurs amateurs. Au cours de cette saison 2020, elle devait accueillir 50 galeries et 150 artistes .

« Malgré une détermination sans faille de toute l’équipe nous sommes aujourd’hui contraints et forcés d’annuler la 9e édition de fotofever paris, foire internationale de photographie contemporaine. » a déclaré à regret Cécile Schall, fondatrice de Fotofever. « Nous y avons cru jusqu’au bout et avons mis tout en œuvre pour que cette édition particulière puisse se tenir dans le respect des mesures sanitaires exigées. »

Les 3 lauréats du concours fotofever prize with dahinden

Organisé en partenariat avec le laboratoire professionnel Dahinden, le fotofever Prize with dahinden est un tremplin pour les jeunes talents. En effet, ce dernier prévoit l’accompagnement de ses 3 lauréats dans la production et la promotion de leurs travaux photographiques.

Pour cette 3ème édition édition, le jury a désigné comme grands lauréats Camille Brasselet, pour sa série À côté, Victor Cavasino pour sa série Tone Tension et Tereza Kozinc avec Finding Stenli.

Camille Brasselet explore la place du corps dans son environnement. Photographe française de 23 ans, elle signe une série explorant la familiarité de l’espace domestique dans lequel le corps finit par se soustraire à son environnement.

Photographe de 31 ans, Victor Cavasino questionne la notion d’identité. Il dévoile pour le fotofever prize with dahinden, une série observant les survivances du concept social de la couleur en Afrique du Sud. Ainsi, son approche plastique et scientifique de la photographie explore la couleur et les tons, ainsi que la construction des images.

Quant à la série de Tereza Kozinc, photographe slovène de 34 ans résidant en France, elle sonde le thème du « chez soi » physique et émotionnel, faisant défiler les lieux de Saint-Lazare à Belleville, ou encore de Ljubljana à Hokkaido.

Camille Brasselet, Tereza Kozinc et Victor Cavasino devraient exposer (sauf mention contraire) du 18 novembre au 17 décembre 2020 dans l’espace Not a Gallery. Ce n’est pas une galerie, mais ce lieu atypique et chaleureux accueille une exposition d’artiste chaque trimestre. On peut y découvrir diverses disciplines des beaux arts : peintures, sculptures, céramiques, artisanat de mobilier design, vintage et objets de décoration.

En parallèle de l’exposition, les 3 lauréats bénéficient d’un accompagnement par la direction artistique de la Foire, alors que le laboratoire Dahinden produira 3 à 5 de leurs œuvres. Et puis, Fotofever assurera leur promotion auprès de 100 000 professionnels et collectionneurs de photographies de leur communauté, alors que le festival KG+ à Kyoto projètera les 3 séries au printemps 2021.

Pour poursuivre leurs activités, sans visibilité sur l’avenir, les acteurs de l’évènementiel doivent trouver des solutions alternatives en se tournant vers la solidarité entre structures, ou encore miser sur le virtuel et les formats hybrides.« Nous regrettons vivement cette interdiction mais restons déterminés à poursuivre notre mission de promouvoir la découverte et la collection de la photographie contemporaine. » a déclaré Cécile Schall, fondatrice de Fotofever.

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