Bloß weil eine Geschichte in der Zukunft spielt und im Weltraum, muss sie nicht weniger schmutzig sein als die geopolitische Gegenwart. Wenn in der neuen Staffel der Science-Fiction-Serie The Expanse die entscheidende Schlacht um die Zukunft der Menschheit geschlagen wird, kommen weder Laserpistolen zum Einsatz noch Weltraumkampfjets. Ein Steinbrocken aus dem All, Skrupellosigkeit und ein gut gewählter Einschlagswinkel – mehr braucht es nicht, um das Machtgleichgewicht im Sonnensystem zu verschieben.

The Expanse, nach drei Staffeln vom ursprünglichen Sender abgesetzt und anschließend vom Edelfan Jeff Bezos gerettet und zu Amazon Prime gebracht, ist die interessanteste Science-Fiction-Serie seit Langem. Sie erzählt die Geschichte der Menschheit im 24. Jahrhundert – die ist nicht mehr nur auf unseren Heimatplaneten beschränkt, über die Grenzen des Sonnensystems ist allerdings auch niemand hinausgekommen. 

So ist die Erde eine alte Supermacht, übervölkert, müde, man könnte sagen: spätdekadent. Der Mars, ehemals eine Kolonie der Erde, hat seine Unabhängigkeit erklärt und sich zu einer aufstrebenden Militärmacht entwickelt. Und tief im Sonnensystem leben auf Asteroiden und Raumstationen die sogenannten Belter, die Minenarbeiter der Zukunft. Sie graben dort nicht nach Kohle, sondern nach Wasser und anderen Rohstoffen, die sich im 24. Jahrhundert als kostbarer erweisen. Die Belter sind keine politische Einheit, was natürlich im Interesse von Mars und Erde liegt, deren Konzerne die Minen betreiben. Diese geopolitisch angespannte Lage wird zu Beginn der Serie durch eine Entdeckung weiter verschärft: Spuren von außerirdischem Leben. 

So viel zum Plot, der aber nicht entscheidend ist. Was The Expanse so einzigartig macht, ist nicht, was erzählt wird, sondern wie. Die Serie schafft, was vielen anderen nicht gelingt: Sie zeigt Menschen im Weltraum auf realistische Weise. Die heimliche Hauptfigur in The Expanse ist die Schwerkraft selbst. Die Gravitationskräfte formen das politische Universum der Serie: Die Erde ist nicht nur eine etablierte Macht, sondern auch der Ort mit der für die Menschen ursprünglichen und angenehmsten Schwerkraft.

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Vorbild soll die Kultur sein, wieder einmal, und das bekommt ihr nicht. Diesmal soll sie ein Vorbild sein im Verzicht: Theater und Museen schlossen früh. Nicht weil man sich dort besonders leicht infizieren könnte - auch bei Hygienekonzepten waren die Kultureinrichtungen vorbildlich, der Sicherheitsabstand funktionierte hier um einiges besser als in den länger geöffneten Geschäften und Fitnessstudios. Museen und Theater sind dicht, damit sich die Menschen insgesamt weniger bewegen und begegnen, und auch deshalb, weil sich hier so einfach durchregieren lässt.

Solange das ganze Land stillsteht, mag das angehen. Was aber, wenn die Maßnahmen wieder schrittweise gelockert werden - wann ist dann die Kultur dran? Nach den Friseuren, Bordellen, Bars, als Letzte also? Weil die Kultur ja, wie es etwa Kanzleramtsminister Helge Braun ausdrückte, zum "Freizeitbereich" gehört, der nachrangig zu behandeln ist gegenüber Geschäftsinteressen und schulischer Bildung?

Hört man die Politiker reden, liest man die Verordnungen der Länder, verfestigt sich der Eindruck: Die Verantwortlichen wissen gar nicht, was sie an der Kultur haben. Sie scheinen in ihr einen im Ernstfall verzichtbaren Luxus zu sehen. Das verkennt dreierlei: Erstens ist die Kunstfreiheit im Grundgesetz geschützt, sie auszutrocknen durch Aufführungsverbote, verbietet sich auf Dauer. Zweitens dienen Museen und Konzerthäuser außer dem Vergnügen der allgemeinen Bildung, was sie auf eine Stufe mit Bibliotheken oder Universitäten stellt. Drittens hängen Millionen Arbeitsplätze an der Kulturbranche - viele davon ohne Tarifverträge und Chance auf Kurzarbeit.

Was das Geld angeht, so wächst, nach viel Kritik, die Einsicht. Kulturstaatsministerin Monika Grütters (CDU) kann im Rahmen eines Notfallplans mehr Finanzhilfen gewähren als vor der Pandemie, die Länder haben diverse Hilfspakete aufgesetzt, auch über eine an die Künstlersozialkasse angeschlossene Arbeitslosenversicherung für Freiberufler wird nachgedacht.

Das Land droht sich in kulturellen Debatten aufzureiben. Kulturpolitik ist wichtiger denn je

Es ist, als wollten die Regierenden mit Geld den Abgrund zuschütten, der sich auftat, als dieses Jahr ihre ganze kulturelle Unbeholfenheit zutage trat. Klüger wäre es anzuerkennen, dass es Zeit ist, den eigenen Kulturbegriff zu schärfen. Die Nachlässigkeit, mit der SPD, Grüne und Teile der Union seit Jahren Kulturpolitik betreiben, war noch nie angemessen, jetzt aber ist sie überhaupt nicht mehr zeitgemäß. Das Land droht sich in kulturellen Debatten aufzureiben.

Anfang des Jahres konnte die Satire eines Kinderchors über eine klimafeindliche alte Dame zum Skandal werden; dann dominierte eine Kabarettistin mit antisemitisch auffassbaren Witzen die Schlagzeilen. Es reicht nicht, solche Diskussionen als unwichtig abzulegen, und stattdessen, wie es die Grünen gerne tun, darauf zu verweisen, was alles bedeutender ist: das Artensterben etwa oder die Folgen einer maßlosen Agrarindustrie. Ja, im Vergleich zu den großen ökologischen und ökonomischen Fragen sind symbolpolitische Debatten Zeitverschwendung und Ablenkungsmanöver. Aber es gibt sie nun mal, man muss sich dazu verhalten. Das tut man in einer Demokratie am souveränsten, indem man kulturelle Institutionen sowie die Kleinkunstszene mit den Mitteln und der Freiheit ausstattet, unabhängig von der politischen Stimmung im Land die Großwetterlage zu reflektieren.

Was nicht heißt, dass man, wie es insbesondere Teile der SPD gerne tun, die Kultur als Wertevermittlerin der Demokratie ins Feld schicken muss, sei es im In- oder Ausland. Künstler sind ein Vorbild nur insofern, als dass sie den Leuten zeigen, was sich mit Fantasie, Mut, Unabhängigkeit alles vorstellen lässt, wenn man das Zweckdenken erst abgelegt hat. Die Kunst muss nichts, außer sich selbst treu bleiben. Sie soll bilden, nicht erziehen (nicht einmal zum Händewaschen).

Rechtspopulisten beanspruchen kulturelle Hegemonie

Es ist Zeit, diesen freiheitlichen Kunstbegriff zu verteidigen. Rechtspopulisten beanspruchen auch hierzulande kulturelle Hegemonie; die AfD scheut nicht davor zurück, ihr missliebige Theaterintendanten unter Druck zu setzen.

Mit ihrem Traditionsbewusstsein könnten die Unionsparteien Garantinnen sein, die Autonomie der Kultur zu stärken. Niemand weiß um die Ausstrahlung alter Bilder so wie der bayerische Ministerpräsident Markus Söder. Er lässt keine Gelegenheit aus, auf Ausstellungen zu sprechen, und dirigiert sogar die Prunkskeptikerin Angela Merkel in historische Festsäle. Jetzt muss er nur noch verstehen, dass all die schönen Dinge nicht nur für ihn da sind. Sondern für alle.

Kunst repräsentiert in einer Demokratie nicht die Macht, sie ist ihr Korrektiv. Das gilt für die Macht des Volkes ebenso wie für die seiner Vertreter. Darauf mutwillig zu verzichten, hieße, in Selbstbesoffenheit unterzugehen.

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Stuttgart - Das „Unicef-Foto des Jahres 2019“ zeigt Kinder, die aus dem brennenden Flüchtlingslager Moria auf der griechischen Insel Lesbos fliehen. Das Bild des griechischen Fotografen Angelos Tzortzinis halte die Tapferkeit, Fassungslosigkeit und Hilfsbereitschaft von Kindern angesichts höchster Not in einer bewegenden Momentaufnahme fest, erklärte das UN-Kinderhilfswerk am Dienstag.

Für Unicef-Schirmherrin Elke Büdenbender ist das Foto „eine eindringliche Mahnung“. Es erzähle von einem Drama direkt vor unserer Haustür. „Das Bild konfrontiert uns mit unserer Menschenpflicht: Wir in Europa müssen endlich eine Antwort finden – auch für die Kinder von Moria. Wir müssen gemeinsam mehr tun, um auch in ihr Leben Hoffnung zu bringen“, forderte die Ehefrau von Bundespräsident Frank-Walter Steinmeier.

Dokumentation der Lebensumstände von Kindern

Der zweite Preis des renommierten Wettbewerbs ging an eine Reportage des indischen Fotografen Supratim Bhattacharjee. Er rückt das Schicksal arbeitender Kinder auf den größten Kohlefeldern Asiens in den Blickpunkt. Der deutsch-russische Fotograf Evgeny Makarov schaffte es auf den dritten Platz. Er beschäftigte sich mit einer Ballettschule in Brasilien - diese sei eine Antwort auf die Gewalt und die Drogen im Alltag von Kindern in den Armenvierteln von Rio de Janeiro.

Bei dem internationalen, undotierten Wettbewerb wurden zum 21. Mal professionelle Fotojournalisten ausgezeichnet, „die die Persönlichkeit und die Lebensumstände von Kindern auf herausragende Weise dokumentieren“. Wegen der Corona-Pandemie gab es keine Verleihung mit Gästen, sondern Videobotschaften.

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Berlin (dpa) - Die Golden Globes, Oscars und Grammys, das RTL-Dschungelcamp, die Berlinale und der Wiener Opernball fanden noch normal statt. Doch ab März 2020 war es dann aus mit der Normalität im Kulturbetrieb.

In der Corona-Krise hagelte es Absagen und Änderungen. Weltweit wurden Theater, Opernhäuser und Kinos geschlossen; Messen, Festivals, Konzerte und viele andere Veranstaltungen waren von Slowdowns, Lockdowns, Shutdowns betroffen.

Was wurde alles abgesagt oder verkürzt und verändert?

Und: Was ist wohl 2021 möglich?

Mit als erstes wurde im März die Leipziger Buchmesse abgesagt, im Mai dann in Berlin das Theatertreffen. Der Grimmepreis und der Deutsche Filmpreis verzichteten auf Galas, behalfen sich mit Fernsehformaten, ebenso wie es später der amerikanische TV-Preis Emmy Awards machte.

In Oberbayern wurden die nur alle zehn Jahre stattfindenden Oberammergauer Passionsspiele auf 2022 verschoben, in München fiel das 187. Oktoberfest aus. Stattdessen gab es eine »Wirtshaus-Wiesn«.

Als eines der wenigen großen Musik- und Theaterfestivals in Europa traten die Salzburger Festspiele in ihrem 100. Jubiläumsjahr hervor - wenn auch zusammengestrichen und unter strengen Hygiene-Auflagen. Statt 200 standen nur etwa halb so viele Aufführungen im Programm.

In Frankreich wurde das wichtigste Filmfest der Welt - das Festival de Cannes - von Mai auf Ende Oktober verschoben und auf ein dreitägiges Mini-Festival verkürzt. Gezeigt wurden einige Filme, die im Mai um Trophäen konkurriert hätten. Wegen der Ausgangssperre ab 21 Uhr wurden die Filmpremieren auf 18 Uhr vorgezogen. 56 Filme schmücken sich nun mit dem Gütesiegel »Cannes 2020«.

Das Filmfest in Toronto fand ohne Staraufgebot und mit dezimiertem Programm statt. Venedig wagte im September als erstes der großen Filmfestivals eine Corona-Ausgabe: So musste etwa auf dem Gelände ein Mund-Nasen-Schutz getragen werden, auch die gesamte Zeit im Kino.

Ohne große Galas gingen auch die Schriftstellerauszeichnungen wie der Literaturnobelpreis, der Buchpreis oder der Georg-Büchner-Preis vonstatten, ebenso war es beim Friedenspreis des Deutschen Buchhandels.

Und 2021? Vieles ist unsicher. In New York sind die Broadway-Theater bis mindestens Ende Mai dicht, die renommierte Metropolitan Opera (Met) gar bis mindestens September. Abgesagt für 2021 sind zum Beispiel der Wiener Opernball und der Straßenkarneval in Rio.

Die Oscars sollen erst am 25. April über die Bühne gehen statt am 28. Februar; dafür die Golden Globes am 28. Februar. Der Deutsche Filmpreis soll erst am 1. Oktober statt im Frühjahr verliehen werden. Die Grammys planen eine pandemiegeeignete Show am 31. Januar.

Die Leipziger Buchmesse plant für Ende Mai (27. bis 30.) statt März.

Nach der Absage 2020 soll Rotterdam den Eurovision Song Contest im Frühling 2021 nachholen dürfen - Finalshow ist demnach am 22. Mai.

Cannes will wieder im Mai stattfinden (11. bis 22.), die Art Basel Mitte Juni (17. bis 20.), auch die Bayreuther Festspiele wollen im Sommer wieder über die Bühne gehen, genauso das Filmfestival in Locarno (4. bis 14. August). Doch einiges könnte auch 2021 noch anders aussehen oder gar trotz aller Bemühungen plötzlich ausfallen oder zum gestreamten Event herabgestuft werden.

Europas Kulturhauptstädte 2021 fallen jedenfalls aus. Die Titelträger 2020 - Rijeka in Kroatien und Galway in Irland - bekommen die Möglichkeit, ihren Titel noch bis 30. April 2021 zu behalten.

Die Städte von 2021 werden erst 2022 und 2023 Kulturhauptstädte: Novi Sad im Kandidatenland Serbien 2022 neben den schon bestimmten Städten Kaunas in Litauen und Esch an der Alzette in Luxemburg. Das griechische Elefsina und das rumänische Timisoara dann 2023.

Im Jahr 2021 wird es trotz allem wieder jede Menge Preise und Veranstaltungen geben, doch mit wem, wie und wann genau wird bei vielem womöglich kurzfristiger feststehen als bislang üblich.

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Als John Le Carré vor knapp einem Jahrzehnt in Berlin eine Laudatio auf den Ullstein Verlag hielt, sprach er von der „deutschen Muse“, die ihn in Oxford Deutsch studieren ließ. Und er erinnerte sich, wie es eine der prägendsten Erfahrungen seines Lebens war, im August 1961 am Checkpoint Charlie zu stehen „und das Bollwerk des Kalten Krieges aus der Asche des heißen Kriegs emporwachsen“ zu sehen. 

John Le Carré war zu dieser Zeit, in den frühen sechziger Jahren, in der Bundesrepublik tätig, an der Britischen Botschaft in Bonn, offiziell als Zweiter Sekretär - vor allem aber als Agent, der häufig Deutsche nach Berlin begleitete, die der britische Geheimdienst im Visier hatte. 

Denn nachdem er in den fünfziger Jahren seine Militärzeit beim Nachrichtendienst der britischen Armee abgeleistet hatte, heuerte ihn nach seinem Studium zunächst der britische Inlandsgeheimdienst an, der MI 5. Danach wechselte er zum MI 6, der Auslandsabteilung, wurde wegen seiner guten Deutschkenntnisse nach Bonn geschickt und später nach Hamburg, wo er den Titel eines britischen Vizekonsuls trug. 

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Prägend war diese Erfahrung beim Bau der Mauer natürlich auch deshalb, weil Le Carré im Anschluss daran seinen zu diesem Zeitpunkt dritten Smiley-Roman „Der Spion, der aus der Kälte kam“ schrieb, angeblich in nur fünf Wochen. Mit diesem Roman wurde John Le Carré weltberühmt. 

Smiley: "Ein atemberaubend gewöhnlicher Mensch

Er ermöglichte es ihm, seinen Dienst 1964 zu quittieren und sich ausschließlich dem Schreiben zu widmen. Mit George Smiley hatte Le Carré eine literarische Figur geschaffen, die mehr war als bloß ein Agent zwischen den Fronten des Kalten Kriegs.

Smiley ist ein großer, sympathisch wirkender Melancholiker wie beispielsweise Raymond Chandlers Philip Marlowe, aber eben auch ein unglamouröser, dicklicher, mausgrauer und treuer Diener im Dienste seiner Majestät, weit entfernt von der Welt eines James Bond: ein „atemberaubend gewöhnlicher Mensch, der eine Menge Geld für wirklich miserable Anzüge ausgibt“, wie es in einem der Smiley-Romane seine Ehefrau über ihn sagt - um ihn dann für einen Rennfahrer zu verlassen. 

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Doch natürlich lebt „Der Spion, der aus der Kälte kam“ nicht nur von der Hauptfigur, sondern auch von seiner literarischen Qualität, von der Ambivalenz von Gut und Böse, den gutbösen Grauzonen. Und er lebt nicht zuletzt von seiner Authentizität, dem Wissen, dass Le Carré sich in seiner siebenjährigen Agententätigkeit angeeignet hatte. 

So sagte er später einmal in einem Interview: „Einmal ein Spion, immer ein Spion – ich glaube, das ist vollkommen richtig. Und ich weiß nicht, ob ich ein Schriftsteller bin, der Spion wurde, oder ein Spion, der schließlich Schriftsteller wurde.“ 

Philip Roth bewunderte Le Carrés Roman "Ein blendender Spion"

Von George Smiley, das ist bei Autoren mit so einer einmal liebgewonnenen, überdies so viel Anklang findenden, häufig verfilmten Figur häufig der Fall, kam John Le Carré nicht so leicht los. Nachdem er mit dem großartigen Roman „Dame, König, Ass, Spion“ und dem Nachfolger „Eine Art Held“ ihn eigentlich schon in Rente geschickt hatte, ließ er ihn Ende der siebziger Jahre das erste Mal aus seinem „dubiosen Ruhestand“ holen und Anfang der neunziger Jahre mit „Der heimliche Gefährte“ ein weiteres Mal.

Dabei war Le Carré schon früh daran gelegen, von den reinen Spionageromanen wegzukommen, zum Beispiel mit dem politischen Thriller „Eine kleine Stadt in Deutschland“. Darin verarbeitete er seine Zeit an der Botschaft in Bonn und zeichnet unter anderem den Aufstieg eines Rechtspopulisten. Oder mit dem Bildungsroman „Der wachsame Träumer“, der 1972 erschien, ohne größeren Nachhall zu hinterlassen. 

Oder, nach einem Ausflug in den israelisch-palästinensischen Konflikt, „Die Libelle“, mit dem autofiktionalen Roman „Ein blendender Spion“, den Philip Roth als den „besten englischen Roman seit dem Krieg“ bezeichnet hat. 

Le Carré erzählt darin die Lebensgeschichte von Magnus Pym, eines britischen Spions, der im Kalten Krieg ein Spionagenetzwerk aus Ost-Agenten leitet und nach dem Tode seines Vaters Richard Pym, eines Hochstaplers, spurlos verschwindet. 

In großen Zügen porträtiert Le Carré mit Richard Pym seinen eigenen Vater, einem Kaufmann und waghalsigem Finanzjongleur, Ronald „Ronnie“ Cornwell. Zu diesem hatte er bis zu dessen Tod 1975 eine traumatische Beziehung. 

1931 in dem am Ärmelkanal liegenden Städtchen Poole in der Grafschaft Dorset als David John Moore Cornwell geboren, musste John Le Carré, wie er sich seit seinem Debüt als Autor nannte, schon im Alter von fünf Jahren erfahren, dass seine Mutter Olive die kleine Familie verließ. 

Die Kindheit von Le Carré war eine sehr unglückliche

Seine Kindheit war unglücklich, woraus er nie einen Hehl gemacht hat „Ich weiß nicht wie oft der Gerichtsvollzieher kam. Es ist unvorstellbar demütigend für einen Jungen, wenn ihm alles weggenommen wird – sogar die Spielsachen. Ich schämte mich und fühlte mich schmutzig.“ 

Doch diese Kindheit, auch das gestand er einmal, führte dazu, dass er mit der Zeit immer besser wurde im Erfinden seiner selbst – und die Zeit seiner Agententätigkeit tat dazu ihr übriges. „Ich bin ein Lügner, zum Lügner geboren, gezüchtet und trainiert von einer Industrie, die mit Lügen ihr Brot verdient, als Erzähler darin geübt“. 

Nachdem er sich 1948 und 1949 in Bern in der Schweiz für ein Sprachenstudium eingeschrieben hatte, kehrte Le Carré zurück nach England, um 1956 in Oxford sein Studium abzuschließen. Es folgte die Arbeit als Lehrer am Eton College und schließlich der Eintritt beim MI 5 und die Entsendung nach Bonn, wo er anfing literarisch zu schreiben und mit dem ersten Smiley-Roman „Schatten von gestern“ debütierte.

2017 schrieb er noch einmal einen Smiley-Roman

Der Fall des Eisernen Vorhangs schien John Le Carré, der in seinen Romanen so gut die bleierne Atmosphäre der fünfziger bis achtziger Jahre eingefangen hatte, den endgültigen Zerfall des britischen Imperiums, seines zentralen Stoffes beraubt zu haben. Doch so wie die politischen Krisen auf dem Globus zahlreicher wurden, die Globalisierung ihre Untiefen immer offensichtlicher offenbarte, so fand Le Carré Roman für Roman stets ein neues Thema. 

In „Der Nachtmanager“ setzte er sich auf die Spur von Waffen- und Drogenhändlern, in „Unser Spiel“ beschreibt er den Freiheitskampf der Kaukasausvölker, in „Der ewige Gärtner“ die Ausbeutung des afrikanischen Kontinents. Und in einem Roman wie „Marionetten“ wandte er sich dann dem sogenannten Krieg gegen der Terror der nuller Jahre zu. 

Nicht jeder seiner Romane des Spätwerks ist eine Meisterleistung, mancher davon wirkt wie eine routinierte Fingerübung. Doch für Le Carré waren diese Bücher immer auch Geschichten in eigener Sache, um sich selbst, die ewigen Traumata der Kindheit vom Leib zu halten. Denen wollte er nicht einmal in seinen vor vier Jahren veröffentlichten Memoiren entscheidend auf den Grund gehen. Sein Leben, das im Gegensatz zu dem von Smiley, ein glamouröses war, beschreibt er darin als eine „Abfolge von Fluchten“.

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Im Herbst 1920 wird Paul Klee von Walter Gropius ans Bauhaus berufen. Am Bauhaus, zunächst in Weimar, später in Dessau, wagt man nach den Schrecken des Ersten Weltkriegs einen radikalen ästhetischen Neuanfang: Kunst, Handwerk und Architektur sollen zusammengeführt werden, bildende, angewandte und darstellende Kunst. Klee hatte sich in der Zeit vor und nach dem Ersten Weltkrieg in die künstlerische Avantgarde gemalt. In München freundet er sich mit Wassily Kandinsky an, nimmt an Ausstellungen des "Blauen Reiter" und der "Neuen Sezession" teil. Für Furore sorgt 1914 seine Tunesien-Reise gemeinsam mit August Macke und Louis Moilliet. Nun also der Ruf ans Bauhaus.

Doch der Start in Weimar ist für Klee und seine Künstlerkollegen nicht einfach, wie Sohn Felix Klee erzählt: "Die Inflation hat sich langsam breit gemacht, die steigerte sich ja bis zum Jahr 1923. Das war ja ein Wahnsinn, was sich da wirtschaftlich auch abgespielt hat. Trotzdem hat das Bauhaus eben eine unglaubliche Vitalität gehabt. Wir waren aber sehr allein, denn das Volk trug uns nicht. 'Uns trägt kein Volk' ist eine Aussage meines Vaters und uns trug wirklich kein Volk."

Klee: Kunst braucht Intuition

Von 1921 an gibt Klee Kurse in Form- bzw. Gestaltungslehre, unterrichtet im Zeichnen, Aktzeichnen und freiem Malen. Er wird Leiter verschiedener Werkstätten. Einer der ersten Bauhaus-Schüler, der Schweizer Max Bill, erinnert sich an den Lehrer Klee. "Klee hat seinen Unterricht so ernstgenommen, dass er nicht 'kleine Klees' schaffen wollte – wie das ja meistens an Akademien ist – sondern eine Allgemeinbildung auf einem bestimmten Gebiet bieten wollte."

Klee unterrichtet nach eigener Aussage nicht angehende Künstler, sondern "Bildner, werktätige Praktiker". Er ist wie Bauhaus-Gründer Walter Gropius überzeugt, dass Kunst an sich nicht lehrbar sei. Sie könne nur durch Intuition entstehen. 1928 schreibt Klee über "exakte Versuche im Bereich der Kunst": "Wir konstruieren und konstruieren und doch ist Intuition immer noch eine gute Sache. Man kann ohne sie Beträchtliches, aber nicht alles."

Paul Klee, der musikalische Meister

Klee wird als "schweigsamster aller Meister" am Bauhaus beschrieben, als pünktlich und genau, als "Mann mit dem leisen Schritt", karikiert auch als "Bauhaus-Buddha". Er ist zugleich Musiker, ein sehr guter Geiger. Auch in seiner Lehre am Bauhaus spielten Rhythmus und Klang eine wichtige Rolle, meint Kunsthistoriker Wulf Herzogenrath. "Ich denke, dass dieses musikalische, filmische Denken, die Veränderung der Form, einer der wesentlichsten Schlüssel ist für seine pädagogische Arbeit." Aber auch die eigenen Arbeiten Klees könne man lesen wie Partituren, Ton-, Licht-, Klanggebilde.

Neben seiner Lehrtätigkeit schafft Klee auch in der Bauhaus-Zeit eigene Werke. Er stellt in New York und Paris aus, gründet mit Alexej Jawlensky, Wassily Kandinsky und Lyonel Feininger die Gruppe "Die Blauen Vier". Doch gegen Ende der 20er-Jahre zehren die Verpflichtungen am Bauhaus, die pädagogische Verantwortung dort, zu sehr am Künstler. 1931 folgt Klee einem Ruf an die traditionsreiche Kunstakademie Düsseldorf. Die zehn Jahre in Weimar und Dessau waren jedoch für seine Vita prägend. Und umgekehrt ist das Bauhaus ohne das Wirken Paul Klees nur schwer denkbar.

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