Les amateurs de mobilier ancien filent direction le Musée Nissim-de-Camondo, situé dans le 8e arrondissement de Paris, pour redécouvrir l'incroyable collection de cet hôtel particulier dès le 17 juin 2020, après deux mois de fermeture dus à l'épidémie de coronavirus. On ne manque pas de profiter du bon plan de la réouverture gratuite pour découvrir ses trésors et son exposition éphémère jusqu'au 21 juin.

Un musée appartenant au MAD Paris - Musée des Arts Décoratifs, légué en 1924 par Nissim-de-Camondo, et qui vous invite à découvrir une incroyable collection de meubles datant du XVIIIe siècle.

Un musée qui rouvre enfin ses portes avec, sans l'ombre d'un doute, toutes les mesures sanitaires de rigueur : port du masque obligatoire, mise à disposition de gel hydro-alcoolique, distanciation physique... Tout devrait être fait pour assurer votre sécurité au sein de l'établissement, dans l'attente de précisions du MAD Paris. À noter que pour sa réouverture, le musée Nissim-de-Camondo est gratuit pour tous pendant une semaine. Une bonne raison pour sortir et découvrir ce haut lieu de la culture, ainsi que cette bâtisse figée dans le temps, au XVIIIe siècle. Et concernant l'exposition qui se tenait avant le confinement, Le 61 rue de Monceau, l'autre hôtel Camondo, sachez que celle-ci est prolongée jusqu'au 15 septembre 2020.

Pour la petite histoire, lorsqu’il s’installe à Paris en 1869, Nissim-de-Camondo achète un hôtel particulier au 63, rue de Monceau tandis qu’Abraham-Behor, son frère fait construire le sien sur la parcelle voisine. Sans aucune rivalité, les deux frères reçoivent tout le gratin de Paris avec faste. Dans son hôtel particulier, Nassim-de-Camodo réunit une collection de peinture et objets d'art unique. Une très belle collection à découvrir, pour tous les amateurs d'histoire et de beaux meubles.

À découvrir dès le 17 juin 2020 à Paris. 

C’est par une œuvre monumentale de 386m² que l’artiste bordelais Jean-François Duplantier alias Jofo a voulu rendre hommage aux personnels soignants en pleine épidémie de coronavirus. Elle a été déployée vendredi 17 avril sur la façade de la place de la Bourse à Bordeaux.

On y voit le personnage fétiche de l’artiste masqué, un « Toto », entouré de très nombreux « Merci ». Ce projet a vu le jour grâce à la CCI Bordeaux Gironde avec le soutien de la DRAC Nouvelle-Aquitaine, de la société LightAir et de l’opérateur téléphonique « Prixtel ». Ce dernier a notamment financé la fabrication de la toile. D’ailleurs, « cette œuvre remplace les publicités qui participent au financement de la restauration du toit du Palais de la Bourse », précise le président de la CCI Patrick Seguin.

L’installation de cette toile a été suivie d’une vente en ligne de 1.000 tirages de l’œuvre d’art « merci » et d’une autre « s’en sortir sans ». Les fonds récoltés seront intégralement reversés aux professionnels de santé du CHU de Bordeaux. L’artiste met aussi depuis le début du confinement de nombreux dessins à colorier pour les enfants sur les réseaux sociaux.

L’exposition « Ulla von Brandenburg » au Palais de Tokyo dévoile des sculptures, installations, films et performances spécialement réalisés pour l’occasion par l’artiste allemande. Celle-ci a conçu un projet total et évolutif représentatif de son travail qui emprunte à la fois au monde du théâtre, à l’histoire des arts et de l’architecture, à la littérature, à la psychanalyse, à l’ésotérisme et aux traditions populaires pour analyser la construction de nos structures sociales.

Les tissus, supports récurrents dans la pratique d’Ulla von Brandenburg jouent encore un rôle déterminant dans cette exposition où le public est invité à pénétrer dans les œuvres en franchissant leurs seuils matérialisés par de larges pans de tissus. La vaste installation qui accueille le visiteur évoque des dispositifs photographiques à travers des rideaux peints dont le centre est percé d’un grand cercle. D’entrée, il faut ainsi traverser un quatrième mur pour atteindre l’exposition. Cette immersion dans le tissu et la couleur souligne sa capacité à évoquer un univers, qu’il soit factice ou réel.

Puis une très grande installation textile poursuit l’exploration chère à Ulla von Brandenburg du rapport à l’image, de la construction d’un cadre de représentation et de l’engagement du corps. Des tissus colorés tirés d’anciennes œuvres de l’artiste forment cinq environnements différents, doté chacun d’une fonction ou d’une temporalité comme l’habitat, l’action, la nuit et le rituel. Pendant toute la durée de l’exposition, cinq danseurs investiront chaque samedi ces espaces pour les construire et les déconstruire en manipulant des œuvres-accessoires qui y sont présentées.

Le film présenté au centre de l’exposition a été réalisé au Théâtre du Peuple de Bussang dans les Vosges, un théâtre populaire et humaniste dont Ulla von Brandenburg fait le cadre d’une sorte d’ethnologie fantasmagorique par laquelle elle actualise les notions du populaire et de la communauté. La dernière partie de l’exposition, une installation labyrinthique dans laquelle des pans de tissus bleus se font les écrans de projections de films tournés sous l’eau, adopte une dimension plus onirique et évoque à la fois une disparition de l’humain et une plongée dans son inconscient.

À découvrir jusqu’au 17 mai 2020 au Palais de Tokyo à Paris.

Le Domaine de Kerguéhennec, à Bignan, accueille au cours du printemps trois expositions monographiques que relient des notions communes : le temps, la mémoire, le paysage, le territoire, les frontières et les migrations, réelles ou mentales. La série de photographies d’Anne-Lise Broyer, l’installation mêlant dessin et couture de Cathryn Boch et les images du réel réinventées par Thomas Daveluy à l’aide des technologies numériques relèvent toutes d’une expérience de la géographie et des histoires qui y sont profondément inscrites.

Un ensemble d’image intitulé Oraison (La mort de la phalène), réalisé en résidence au Domaine de Kerguéhennec par Anne-Lise Broyer rend compte de son expérience sensible du paysage. C’est en s’immergeant dans le territoire alentours, en partant à travers les chemins, forêts et vallons qu’Anne-Lise Broyer s’est investie dans un contact intime avec le lieu, en tirant des photographies qu’elle a ensuite retouchées par des dessins à la mine graphite sur les tirages, réanimant par ce geste des récits et une mémoire qui y étaient enfouis.

C’est aussi au terme de sa résidence de création au Domaine de Kerguéhennec que Cathryn Boch présente un ensemble d’œuvres réalisées in situ. A partir de diverses formes de transcription d’espaces, des cartes routières, géologiques, topographiques et maritimes, des plans de ville, des atlas et des photographies aériennes qu’elle découpe, raccommode, traverse de fils à la machine à coudre, greffe. Ainsi émerge, selon ses mots, « une sorte de paysage-corps » qui exprime la profondeur et la complexité des relations qui se nouent entre les corps et leur environnement, entre nos vies et les mondes qu’elles habitent.

Le cycle d’œuvres intitulé Echo de Thomas Daveluy est consacré aux zones floues qui séparent parfois le réel et l’imaginaire depuis l’avènement des nouvelles technologies. L’artiste, qui a recours aux outils numériques dans le cadre la vidéo, de l’installation, du mapping et même de la sculpture, s’intéresse à la façon dont ces outils, en réinventant l’image, ont aussi réinventé notre rapport au réel. Par le biais du prélèvement de séquences vidéo compressées en une seule image, de retouches numériques, de division de l’écran et autres procédés techniques, Thomas Daveluy explore les nouveaux territoires ouverts par la technologie.

À découvrir jusqu’au 24 mai 2020 au Domaine de Kerguéhennec, à Bignan.

L’exposition « Le Grand mur », présentée au Palais de Tokyo dans le cadre de la première partie de la saison « Fragmenter le monde », a été conçue par Kevin Rouillard au Mexique, au cours d’un séjour qui lui a permis d’explorer à la fois l’imaginaire sculptural de l’époque précolombienne et la réalité politique actuelle d’un pays qui partage une frontière avec les États-Unis.

La pratique de Kevin Rouillard, essentiellement sculpturale, repose sur un processus de prélèvement et de récupération. Ainsi les bidons, utilisés par les expatriés pour envoyer par cargo des produits au Cap-Vert, constituent-ils sa principale matière première. Une fois arrivés à destination et vidés de leur contenu, ces bidons alimentent une chaîne de recyclage et sont transformés en une multitude d’objets : poêles, balayettes, portes et autres éléments architecturaux.

A la manière des artisans recycleurs du Cap Vert, Kevin Rouillard, dont la mère est originaire de ce pays, brûle et déplie les bidons puis découpe, aplatit, martèle, poinçonne et assemble les plaques de tôle en grands ensembles de panneaux métalliques monochromes. La nature première des bidons ne s’efface pas dans ce processus de transformation : les œuvres ainsi créées évoquent pour Kevin Rouillard le monde ouvrier et la façon dont circulent les biens à travers le monde. Le dernier projet de Kevin Rouillard, intitulé Le Grand mur, évoque quant à lui l’hermétique frontière qui empêche la circulation des individus entre le Mexique et les États-Unis.