C’est par une œuvre monumentale de 386m² que l’artiste bordelais Jean-François Duplantier alias Jofo a voulu rendre hommage aux personnels soignants en pleine épidémie de coronavirus. Elle a été déployée vendredi 17 avril sur la façade de la place de la Bourse à Bordeaux.

On y voit le personnage fétiche de l’artiste masqué, un « Toto », entouré de très nombreux « Merci ». Ce projet a vu le jour grâce à la CCI Bordeaux Gironde avec le soutien de la DRAC Nouvelle-Aquitaine, de la société LightAir et de l’opérateur téléphonique « Prixtel ». Ce dernier a notamment financé la fabrication de la toile. D’ailleurs, « cette œuvre remplace les publicités qui participent au financement de la restauration du toit du Palais de la Bourse », précise le président de la CCI Patrick Seguin.

L’installation de cette toile a été suivie d’une vente en ligne de 1.000 tirages de l’œuvre d’art « merci » et d’une autre « s’en sortir sans ». Les fonds récoltés seront intégralement reversés aux professionnels de santé du CHU de Bordeaux. L’artiste met aussi depuis le début du confinement de nombreux dessins à colorier pour les enfants sur les réseaux sociaux.

L’exposition « Ulla von Brandenburg » au Palais de Tokyo dévoile des sculptures, installations, films et performances spécialement réalisés pour l’occasion par l’artiste allemande. Celle-ci a conçu un projet total et évolutif représentatif de son travail qui emprunte à la fois au monde du théâtre, à l’histoire des arts et de l’architecture, à la littérature, à la psychanalyse, à l’ésotérisme et aux traditions populaires pour analyser la construction de nos structures sociales.

Les tissus, supports récurrents dans la pratique d’Ulla von Brandenburg jouent encore un rôle déterminant dans cette exposition où le public est invité à pénétrer dans les œuvres en franchissant leurs seuils matérialisés par de larges pans de tissus. La vaste installation qui accueille le visiteur évoque des dispositifs photographiques à travers des rideaux peints dont le centre est percé d’un grand cercle. D’entrée, il faut ainsi traverser un quatrième mur pour atteindre l’exposition. Cette immersion dans le tissu et la couleur souligne sa capacité à évoquer un univers, qu’il soit factice ou réel.

Puis une très grande installation textile poursuit l’exploration chère à Ulla von Brandenburg du rapport à l’image, de la construction d’un cadre de représentation et de l’engagement du corps. Des tissus colorés tirés d’anciennes œuvres de l’artiste forment cinq environnements différents, doté chacun d’une fonction ou d’une temporalité comme l’habitat, l’action, la nuit et le rituel. Pendant toute la durée de l’exposition, cinq danseurs investiront chaque samedi ces espaces pour les construire et les déconstruire en manipulant des œuvres-accessoires qui y sont présentées.

Le film présenté au centre de l’exposition a été réalisé au Théâtre du Peuple de Bussang dans les Vosges, un théâtre populaire et humaniste dont Ulla von Brandenburg fait le cadre d’une sorte d’ethnologie fantasmagorique par laquelle elle actualise les notions du populaire et de la communauté. La dernière partie de l’exposition, une installation labyrinthique dans laquelle des pans de tissus bleus se font les écrans de projections de films tournés sous l’eau, adopte une dimension plus onirique et évoque à la fois une disparition de l’humain et une plongée dans son inconscient.

À découvrir jusqu’au 17 mai 2020 au Palais de Tokyo à Paris.

Le Domaine de Kerguéhennec, à Bignan, accueille au cours du printemps trois expositions monographiques que relient des notions communes : le temps, la mémoire, le paysage, le territoire, les frontières et les migrations, réelles ou mentales. La série de photographies d’Anne-Lise Broyer, l’installation mêlant dessin et couture de Cathryn Boch et les images du réel réinventées par Thomas Daveluy à l’aide des technologies numériques relèvent toutes d’une expérience de la géographie et des histoires qui y sont profondément inscrites.

Un ensemble d’image intitulé Oraison (La mort de la phalène), réalisé en résidence au Domaine de Kerguéhennec par Anne-Lise Broyer rend compte de son expérience sensible du paysage. C’est en s’immergeant dans le territoire alentours, en partant à travers les chemins, forêts et vallons qu’Anne-Lise Broyer s’est investie dans un contact intime avec le lieu, en tirant des photographies qu’elle a ensuite retouchées par des dessins à la mine graphite sur les tirages, réanimant par ce geste des récits et une mémoire qui y étaient enfouis.

C’est aussi au terme de sa résidence de création au Domaine de Kerguéhennec que Cathryn Boch présente un ensemble d’œuvres réalisées in situ. A partir de diverses formes de transcription d’espaces, des cartes routières, géologiques, topographiques et maritimes, des plans de ville, des atlas et des photographies aériennes qu’elle découpe, raccommode, traverse de fils à la machine à coudre, greffe. Ainsi émerge, selon ses mots, « une sorte de paysage-corps » qui exprime la profondeur et la complexité des relations qui se nouent entre les corps et leur environnement, entre nos vies et les mondes qu’elles habitent.

Le cycle d’œuvres intitulé Echo de Thomas Daveluy est consacré aux zones floues qui séparent parfois le réel et l’imaginaire depuis l’avènement des nouvelles technologies. L’artiste, qui a recours aux outils numériques dans le cadre la vidéo, de l’installation, du mapping et même de la sculpture, s’intéresse à la façon dont ces outils, en réinventant l’image, ont aussi réinventé notre rapport au réel. Par le biais du prélèvement de séquences vidéo compressées en une seule image, de retouches numériques, de division de l’écran et autres procédés techniques, Thomas Daveluy explore les nouveaux territoires ouverts par la technologie.

À découvrir jusqu’au 24 mai 2020 au Domaine de Kerguéhennec, à Bignan.

L’exposition « Le Grand mur », présentée au Palais de Tokyo dans le cadre de la première partie de la saison « Fragmenter le monde », a été conçue par Kevin Rouillard au Mexique, au cours d’un séjour qui lui a permis d’explorer à la fois l’imaginaire sculptural de l’époque précolombienne et la réalité politique actuelle d’un pays qui partage une frontière avec les États-Unis.

La pratique de Kevin Rouillard, essentiellement sculpturale, repose sur un processus de prélèvement et de récupération. Ainsi les bidons, utilisés par les expatriés pour envoyer par cargo des produits au Cap-Vert, constituent-ils sa principale matière première. Une fois arrivés à destination et vidés de leur contenu, ces bidons alimentent une chaîne de recyclage et sont transformés en une multitude d’objets : poêles, balayettes, portes et autres éléments architecturaux.

A la manière des artisans recycleurs du Cap Vert, Kevin Rouillard, dont la mère est originaire de ce pays, brûle et déplie les bidons puis découpe, aplatit, martèle, poinçonne et assemble les plaques de tôle en grands ensembles de panneaux métalliques monochromes. La nature première des bidons ne s’efface pas dans ce processus de transformation : les œuvres ainsi créées évoquent pour Kevin Rouillard le monde ouvrier et la façon dont circulent les biens à travers le monde. Le dernier projet de Kevin Rouillard, intitulé Le Grand mur, évoque quant à lui l’hermétique frontière qui empêche la circulation des individus entre le Mexique et les États-Unis.

L’exposition « Invocation » à la galerie Xippas, à Paris, dévoile les plus récentes aquarelles et peintures à l’huile de Karishma D’Souza, une jeune peintre indienne dont l’œuvre, partagée entre dimension politique et dimension poétique, renvoie à la fois aux violentes réalités sociales de la société indienne et à des réflexions métaphysiques sur le divin et la recherche d’harmonie, personnelle et collective.

Les peintures de Karishma D’Souza se lisent comme des récits : les motifs y sont autant de symboles qui se déploient pour former des histoires. Ces dernières ont souvent trait à la situation politique et sociale en Inde et parlent de ceux que l’on voudrait réduire au silence : les femmes et hommes chassés de chez eux, persécutés ou tués par les forces de l’industrialisation et du capitalisme. D’autres peintures reflètent au contraire des situations d’harmonie et d’espoir comme une discussion, une amitié ou la vue d’un beau paysage.

Ces récits picturaux s’inscrivent dans un processus de création d’images qui est un art de la mémoire. A travers eux, l’histoire individuelle se lie à l’histoire et peut devenir un mythe. Des motifs sont récurrents dans l’œuvre de Karishma D’Souza : celui de la forêt représente la notion de croissance et de renaissance tandis que celui de l’océan, très présent dans ses nouvelles peintures, représente la vie mais aussi l’introspection : les motifs des rideaux, de la scène et du théâtre renvoient à l’action.

Les dernières œuvres de Karishma D’Souza invitent en effet à l’action tout en ouvrant des voies vers d’autres rivages et d’autres temps. Le titre de l’exposition, « Invocation » souligne leur statut d’activateurs ; à la manière de prières ou de chants rituels, elles se concentrent sur l’acte et non sur l’objet. Plus complexes et narratives que ses peintures plus anciennes, elles incarnent le mouvement et l’action. Cette dimension est notamment nourrie de lectures de la littérature Dalit, la littérature des Intouchables, selon laquelle tout art devrait être engagée politiquement et inciter à l’action.

A découvrir jusqu’au 11 avril 2020 à la Galerie Xippas.